INTRODUCCIÓN.-
Periodización
I. EL CAMBIO DE SIGLO, FINAL DEL XIX, HASTA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL (1914/18)La música podía ser distinta de lo que se había venido pensando. Los artistas modernos creían que la única forma de avanzar era reelaborando radicalmente el pasado o deshaciéndose de él.
II. PERIODO DE ENTREGUERRAS (11/11/1918 hasta 01/09/1939)Esfuerzos por establecer nuevas bases imaginando lenguajes y tradiciones musicales o inventándolos.
III. HASTA LA DÉCADA DE LOS AÑOS 60. Fase de exploración con un el deseo de reconstruir y a la vez de romper con las antiguas y nuevas tradiciones. Muchos compositores se inspiran en los descubrimientos tecnológicos y modelos científicos de experimentación e investigación.IV. DESDE LA DÉCADA DE LOS 60 HASTA LA ACTUALIDAD .Todas las posibilidades del pasado y del presente se entremezclan y coexisten.
INTRODUCCIÓN
Los artistas modernos creían que la única forma de avanzar era reelaborando radicalmente el pasado o deshaciéndose de él. La música, por ejemplo, podía ser distinta de lo que se había venido pensando.
A comienzos del siglo XX se produjo una gran diversidad de movimientos culturales y artísticos, no existiendo una corriente dominante unificadora. La correlación existente hasta entonces, entre la música y el resto de las artes, dejó de existir, debido a la rápida evolución de las corrientes artísticas: en pintura la reacción contra el Impresionismo dio origen a corrientes pictóricas como el Constructivismo, Formalismo, Fauvismo, Cubismo, Primitivismo, Futurismo, Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo…Es la época de los Ismos. Pero, no todos son “modernos o rompedores” también sigue habiendo compositores conservadores o tradicionales o moderados, pero han quedado al margen de la corriente dominante en la evolución musical.
Como vemos, el siglo XX se caracteriza por la rapidez con que se suceden los estilos artísticos en general, y los musicales en particular, y por la coexistencia de distintas concepciones sobre la música.
En arquitectura predominó el Funcionalismo racionalista. Aparecieron las grandes construcciones de acero, hormigón armado y cristal y las nuevas técnicas de construcción.
La cultura y el arte reflejan el carácter convulsivo de los tiempos que corren. Quizás en otras épocas también convivieron concepciones artísticas tan dispares como actualmente, pero la falta de documentación (partituras, grabaciones,…) nos impide constatarlo.
Una característica general del XX es la necesidad de dar explicaciones: se rompen tabúes, se provoca, pero también se quiere “convencer”, por eso aparecen: manifiestos, tratados teóricos, propaganda y publicidad menos formal, etc. que a veces forman parte del propio discurso artístico. Por un lado, la música del siglo XX es un bello arte para la distracción y el placer; por otro, se convierte en un lenguaje que consigue impactar en el oyente.
Todas estas contradicciones son propias de las personas de ese tiempo, que se ven sacudidas por dos guerras mundiales. Tras el triunfo de la revolución Rusa, los gobiernos reaccionan hacia un mayor conservadurismo, pero todavía deben luchar contra el fascismo.
¿Cómo “modernizaron” los músicos la música?:
-Poniendo en cuestión el sistema tonal
-Abriendo fronteras entre sonido y ruido
-Abriendo fronteras entre las culturas musicales
-Abriendo fronteras entre la música y otras artes.
En las primeras décadas del s. XX, algunos pensaban que la única manera
de avanzar en las artes era dejar atrás el pasado. Así, B. Bartók (1931)
escribe: Muchos empezaron a no poder soportar ya más los excesos de los románticos. Había compositores que pensaban: este camino no nos lleva a ninguna parte. No hay otra solución que cortar completamente con el siglo XIX .
Por su parte, Stravinsky (1940) dice : Por lo que a mí respecta, experimento una especie de terror cuando, en el momento de ponerme a trabajar y de encontrarme ante la infinidad de posibilidades que se me presentan, tengo la sensación de que se me permite todo. Si todo es admisible, lo mejor y lo peor, si no hay nada que me ofrezca resistencia, entonces es inconcebible cualquier esfuerzo y no puedo usar nada como base, y por consiguiente, cualquier empresa se vuelve inútil.
EL CAMBIO DE SIGLO HASTA LA PRIMERA
GUERRA MUNDIAL
En esa época asistiremos a dos fenómenos de interés:
A) La desintegración del mundo tal y como se conocía:
Con el cambio de siglo ocurren cambios muy importantes que afectan a la
vida de las personas en general, y a la música en particular:
• Transformaciones culturales, sociales y tecnológicas trajeron
nuevas formas de vivir, relacionarse, de pensar: preocupación,
incertidumbre, pero también renacimiento, renovación, nuevas posibilidades.
• La Exposición Universal de París trajo a Europa nuevos sonidos de otras
culturas , nuevas identidades nacionales, étnicas, de género y de clase.
• Se cuestiona el dominio de la música austro-alemana. Ahora hay un
interés por nuevos sonidos de otras culturas, estilos populares, el folklore,
los ruidos de la ciudad.
• Descubrimientos científicos, el estudio de la psique (la capacidad de la
música para expresar las sensaciones emocionales inconscientes)
• Reconsideración de las bases teóricas de la música en la nueva era de
las máquinas y la tecnología.
• La nueva inspiración de la música del pueblo, la identidad nacional, lo
primitivo”.
• La industrialización: cambios en la ciudades, ocio y entretenimiento de la
mano de obra, educación de la nueva mano de obra (y su burocracia). La
creación de escudos intelectuales para escapar del caos de la vida urbana
• El nacimiento del movimiento feminista.
• Los escritos de Darwin (las ideas sobre el origen de la especie Humana),
Nietzsche, Marx, Einstein (el funcionamiento del Universo), Freud ( la
estructura de nuestra psique) que desafían a la Biblia, la estructura política y
económica de la sociedad.
• Marie y Pierre Curie con sus estudios sobre la desintegración atómica.
B) La desintegración de la música:
- Las melodías se desintegran y se convierten en fragmentos
- Las progresiones armónicas se rompen en acordes aislados.
- Las formas tradicionales se abren por las costuras
- Los límites entre géneros y estilos se hacen más permeables.
- La construcción de nuevos lenguajes musicales.
- Fuentes de inspiración populares: lo primitivo y la búsqueda de
autenticidad.
Una de las características definitorias de la modernidad en el paso del s. XIX
al XX fue una nueva actitud hacia las músicas exóticas, de otras
culturas. Si bien la Exposición Universal de 1889, con réplicas de pueblos
de Vietnam, Túnez, Argelia…, eran exposiciones etnográficas que
apuntalaban una visión racista para justificar la colonización, cuando
Debussy escuchó las músicas de esos pueblos, las trató como obras de arte
de pleno derecho, y así, al escuchar música de Java dijo: obedece a leyes de contrapunto que convierten a Palestrina en un juego de niños. Si uno la escucha, sin prejuzgar con sus oídos europeos, encontrará un encanto percusivo que le fuerza a admitir que nuestra música no es mucho más que una especie bárbara de ruido más apropiada para un circo ambulante.
Además de esa exposición de culturas exóticas, también hubo cabida para
los avances tecnológicos que surgen en el cambio de siglos como el
teléfono en 1876 (hubo un pabellón de teléfonos que transmitían conciertos
desde la Opera Comique), bombilla incandescente (1879), aeroplanos,
automóviles,…En relación con la música, la tecnología que tuvo más
impacto en la música fue la discografía. A partir de 1888 el fonógrafo tuvo
una importante acogida. Desde mediados del XIX adquirió importancia la
producción a gran escala de pianos y a principios del XX, las pianolas
empezaron a formar parte de un importante mercado. El cine, tecnología
pionera en Francia, acapararía la atención del propio Debussy.
CORRIENTES MUSICALES:
VÍDEO: RICHARD STRAUSS: Así habló Zaratustra
SCRIABIN (1872-1915 ). Músico de tendencias místicas, creía que la música
puede abrir camino a un mundo nuevo.
El interés que tuvo siempre por nuevas estructuras armónicas se refleja
en su Preludio para piano en mi menor op11, nº4, donde quita
importancia a la tónica y a la dominante. Hasta los compases finales no
se escucha ninguna progresión armónica convencional ni ninguna
tónica en posición fundamental. En lugar de tónica y dominante se
centra en acordes de 5º aumentada.
Se interesó cada vez más en basar sus piezas en sonoridades que
combinaban aspectos de tónica y dominante. La más famosa de ellas
es el acorde místico, que aparece en su poema sinfónico Prometeo,
poema del fuego (1810). Esta obra tiene una aparte para un órgano de
colores (proyecta colores según el sonido: rojo para el do, amarillo para
el re, azul para el mi...) Es una obra que podríamos decir, que explora la
sinestesia (condición en la que los límites de los sentidos está
difuminada). Kandinsky creó una serie de obras escénicas sinestésicas
abstractas, como El sonido amarillo (1909), que combina color, danza y
música. Schönberg, con su ópera La mano bendecida o afortunada
(1913), integra gesto, color, música y escena.
Scriabin dejó inconclusa su obra Misterio (Mysteriya) para piano, coro,
cantantes y orquesta junto a danza, luces de colores, perfumes y
campanas, con la idea de transportar al público a la iluminación
espiritual.
DEBUSSY frente a la corriente alemana que aboga por el predominio de la
- La fuente de inspiración está en la Naturaleza.
- Desaparición de la melodía lineal para dar paso a masas sonoras de
- Ruptura con la armonía tradicional. Lo que importa es el colorido o
- Colorido orquestal brillante y sensible.
- Se crea una atmósfera sonora basada en "impresiones" auditivas.
- Predilección por títulos poéticos.
- Las formas utilizadas fueron: sinfonía, poema sinfónico, obertura, rondó,
. La música se debe adaptar al mundo moderno, pues la gente ya está harta
de músicas como la de Beethoven o Wagner.
. Nos divertiremos orquestando en la mente el ruido de las persianas metálicas de los escaparates de las tiendas, de los portazos, el bullicio y el trasiego de las multitudes, el bullicio y el trasiego de las multitudes, el alboroto multitudinario de las estaciones de tren, las fundiciones, las acerías, las imprentas, las plantas eléctricas y el metro.
Russolo comenzó como pintor. En su pintura La Música (1911), trató de traducir
en pintura las impresiones melódicas ,rítmicas, armónicas, polifónicas y
cromáticas que integran el todo de una sensación musical utiliza ruidos
producidos por motores, silbatos, ruedas,… En 1914 dio en Milán un concierto
con música de ruido, sustituyendo los instrumentos tradicionales por quince
aparatos llamados intona rumori, algunos de ellos eléctricos. Russolo fue el
recedente técnico y estético de lo que más tarde se conocerá como música
concreta.
Relacionar el color y la música también fue llevado a la práctica por otros
compositores como:
. La ejecución en el piano con el color lo hace Scriabin, con su piano cromático
para su composición Prometeo: el poema del fuego, aunque se acompañó de
teclado de luz en Nueva York en 1915
. También inspiró a Kandinsky y su proyecto escénico El sonido amarillo.
. En 1923, el pintor ruso Vladimir Baranoff-Dossiné presentó en Moscú un
piano optofónico.
. En Alemania Alexander Lazló presentó un sonocromatoscopio.
. MARINETTI
Los escritos de los futuristas ilustran cómo la búsqueda de la novedad en el
arte podría estar asociada a ideas destructivas: Así, Marinetti, en su
Manifiesto del Futurismo (1909), apoyaba la guerra, la violencia, la
misoginia: Destruiremos los museos, las bibliotecas, las academias de todo
tipo, combatiremos el moralismo, el feminismo, toda cobardía oportunista o
utilitaria. Base del surrealismo.
La idea de ruido en música es una consecuencia de la expansión radical de los
límites de la armonía. Los futuristas consideran que se puede obtener más
placer de la combinación de los ruidos de los tranvías, los motores de
combustión interna, los automóviles y las hordas de gente que de volver a oír,
por ejemplo, la Eroica o la Pastoral. Por tanto, el ruido debe ser el material
primario de la música.
En el L´arte dei rumori ,de Marinetti, se divide el universo sonoro en seis
categorías según el modo de producción del sonido:
1 Explosiones y estruendos
2 Silbidos y siseos– Silbidos y siseos
3 Susurros y bullicio
4 Chirridos y fricción
5 Impactos percusivos
6 Voces de seres humanos y animales
• Los futuristas construyeron máquinas de ruidos o intonarumori
(orquesta futurista), entre las que estaban:
– El gracidatore (croador)
– El ululatore (ululador)
– El sibilatore (silbato).
Además, presentaron sus obras en 1914 en Italia y Londres, pero poco ha
quedado de ellas, ya que el movimiento se hizo añicos al estallar la Primera
Guerra Mundial.
Varese fue un compositor francés que desarrolló la música concreta creada
Varese utilizó medios electrónicos para la producción sonora y nuevos
WEBERN: "Seis piezas para orquesta"
Schönberg, Webern y Berg entienden la emancipación de la disonancia como
una consecuencia de la evolución de las ideas de Brahms.
Schönberg se siente heredero de Wagner - también de Liszt y de Strauss-,
como se puede ver en su Noche transfigurada (sexteto programático) que
incorpora la armonía cromática expresiva, los leitmotivs, efectos tímbricos, la
variación en desarrollo como técnica compositiva. De esta obra se dijo que
suena como si alguien hubiese manchado la partitura de Tristan cuando estaba
húmeda todavía.
Concluyó su Tratado de armonía, con una exposición de lo que denomina la
melodía de timbres (que también usaron Debussy y Scriabin); esta idea se
manifiesta en una sucesión de timbres distintos en un único acorde o nota.
•En 1909 le escribió a Busoni una carta en la que decía: ¡Fuera la armonía
como cemento o como ladrillos de un edificio! La armonía no es nada más que
expresión.
Estos tres compositores de la llamada escuela de Viena, tuvieron muchos
puntos en común con el movimiento artístico denominado Expresionismo,
como representación de los procesos interiores. A veces, esa representación se
centraba en lo irracional, las emociones extremas y violentas.
Un pintor relacionado con ellos y este movimiento es Oskar Kokoschka (1886-
1890).
LOS AÑOS DE ENTREGUERRAS
1. El despegue de la música contemporánea
2. París, el Neoclasicismo y el arte de lo cotidiano
3. La búsqueda de orden y equilibrio
4. Inventando tradiciones
1918-1939
• Tras los felices años 20 se produce un choque de realidad:
- La Gran Depresión en EEUU (1929)
- Auge de regímenes fascista y comunista cada vez más
represivos y totalitarios.
• En el campo musical:
- Las soluciones que se habían dado en las primeras décadas
(nuevos universos musicales llevando al extremo las técnicas,
creando nuevos lenguajes, …) ya no son adecuadas.
- Época de proclamas atrevidas e iconoclasta.
El despegue de la música contemporánea
• Transformaciones políticas, culturales y sociales.
• Avances tecnológicos (radio, fonógrafo, pianola).
• Se pone en cuestión el significado y el propósito del arte, el papel de la
expresión emocional, la idea del artista como genio que sólo compone para sí
mismo.
• Se busca la inspiración en otros ámbitos: el jazz, las máquinas (el
maquinismo) y la electrónica.
– George Antheil crea la música para La película muda, Ballet mécanique
(1924), que es un hito dentro del cine vanguardista, con referencias cubistas, y
fue dirigida por el pintor revolucionario Fernand Léger. La película rompe
todos los esquemas convencionales habidos hasta la fecha. El compositor
estadounidense, Antheil, escribió originalmente la música para acompañar al
experimento fílmico, aunque no se estrena con música por la desincronización
entre la duración de la película (19´) y la música (30´) .La orquestación original
fue escrita para 16 pianolas, pero a medida que avanzaba la obra, era
imposible mantener tantas pianolas sincronizadas, así que las futuras
interpretaciones usaron una reorquestación con 1 pianola y 10 pianos.
París, el NEOCLASICISMO y el arte de lo cotidiano
París reúne artistas de todo el mundo. Hay un ambiente de fusión:
• La simplicidad: Satie.
• Neoclasicismo: lo histórico y lo contemporáneo (el mundo clásico: Grecia,
Roma; barroco, clasicismo XVIII) con una nueva visión.
Stravinsky: Edipo Rey o Sinfonía de los Salmos.
Satie: Sócrates.
Milhaud:Orestiada.
Honegger: Antígona,Prokofiev: Sinfonía 1º sobre Mozart.
Stravinsky: Pulcinella sobre Pergolessi,…)
- NEOCLASICISMO.-
VÍDEO: Stravinski dirigiendo
• Auge de la música popular urbana y lo cotidiano como
fuente de inspiración,
especialmente el Jazz (Ravel: Concierto para piano en Sol con recuerdos a
Gershwin o el Blues en su Sonata para violín y piano. Milhaud: Ballet La
creación del mundo)
• El primitivismo: L´art nègre, que agrupaba elementos africanos, Polinesia,
América del norte y del sur (El buey sobre el tejado de Milhaud, ballet basado
en Cinema fantaisie para violín y piano para la película muda. La Rhapsodie
nègre de Poulenc, donde introduce palabras en japonés,...
La búsqueda de orden y equilibrio
• Los compositores emprenden la búsqueda del orden y la estabilidad frente al
periodo preguerra (enfoques individualistas, subjetivos basados en lo
insconsciente, la inspiración en lugares lejanos o tiempos remotos, lo
popular…):
– Crean sistemas musicales controlados y codificados conscientemente:
dodecafonismo, serialismo, serialismo integral (Schönberg, Berg, Webern).
– Trabajos sistemáticos con el ritmo (Henry Cowell, Joseph Schillinger, Ruth Crawford Seeger).
– Creación con nuevos centros tonales (B. Bartók, P. Hindemith) modelos
teóricos alternativos.
Inventando tradiciones
• Otras reacciones:
– Reconstrucción o invención de las tradiciones: lo brasileño (H. Villalobos), lo
inglés (Vaughan Williams), lo americano (Ch. Ives, A. Copland), lo español (M.
Falla), etc
Stockhausen decía que la II Guerra Mundial había acabado con una era
que había comenzado en la Grecia Antigua. por su parte, Boulez decía que
en 1945-46 no había nada listo; todo estaba por hacer, puesto que se
consideraba que lo desarrollado durante el periodo de entreguerras
había estado equivocado y había llevado a esa guerra.
. MÚSICA SERIAL (SERIALISMO INTEGRAL).-
Los compositores aplican los principios dodecafónicos de la Escuela de Viena (reordenación de los doce semitonos) y experimentan con las cualidades del sonido, como el timbre, la intensidad, etc. El resultado es una música muy abstracta, apta para oídos muy especializados. Su máximo representante fue el francés PIERRE BOULEZ
Boulez (1925-2016) rechaza el Neoclasicismo, el dodecafonismo de
Schönberg y la involucración con músicas populares y tradicionales. Se
siente atraído por sistemas abstractos que minimizan la individualidad y
la subjetividad del compositor, recurriendo a la música serial, a las
matemáticas. Tiene como referentes: Webern y Messiaen y Webern, de
quien toma el Serialismo.
Fue Webern quien ha indicado el camino al futuro. Quien ha aplicado
el principio serial a la altura, duración, intensidad y timbre. Boulez
extiende esta idea a la melodía, armonía, ritmo, intensidad, timbre,
articulación y textura. Serialismo integral o Serialismo total o Serialismo
general.
Obras: El martillo sin dueño (homenaje y crítica a la vez del Pierrot Lunaire
de Schönberg), ciclo de piezas para contralto, flauta en sol, viola, guitarra,
vibráfono, xilófono y percusión.
LUIGI NONO :"Liebeslied" para coro e instrumentos.
STOCKAHUSEN
Cage rechaza el Neoclasicismo, el dodecafonismo de Schönberg (aunque
fue alumno suyo) y la involucración con músicas populares y tradicionales.
Se siente atraído por sistemas abstractos que minimizan la individualidad y
la subjetividad del compositor, recurriendo a la música serial, a las
matemáticas. Se inspira en el I Ching, en el budismo zen.
Cage se interesó cada vez más por los procedimientos compositivos
basados en el azar y la música indeterminada.
Se separó totalmente de Boulez cuando introdujo elementos indeterminados
en la interpretación. El dar tanta libertad al intérprete en la obra fue lo que los
separó. Era algo nuevo e inquietante.
descifrar qué está ocurriendo y dando explicación a lo que oye, sino que la
neoyorkina fue Yoko Ono, creadora de arte conceptual y películas
experimentales.
Fluxus también prosperó en Colonia y Alemania Occidental gracias a Mary
Bauermeister (1934).
Cage:
Cage: Aria(1958)
VÍDEOS: LUTOSLAWSKY: Sinfonía nº3
La música concreta es considerada la primera manifestación musical que utiliza
medios electrónicos. Este tipo de música parte del ruido o los sonidos naturales.
Consiste en la grabación de un material sonoro , sonidos de la vida cotidiana
(canto de pájaros, un instrumento,…), en cintas magnetofónicas, rechazando
así la distinción entre sonido (voces e instrumentos musicales) y ruido (del
mundo real)
Posteriormente, se manipulan los sonidos en un laboratorio para dar forma a lo
que será la obra musical definitiva. La experimentación deriva, casi como
consecuencia, hacia la música electrónica. PIERRE SHAEFFER fue su creador.
Su origen se remonta a 1948, cuando en el Estudio de la Radiodifusión
Francesa, Pierre Schaeffer (1910-1995) ofreció sus Estudios de Ruidos.
Él realiza sus primeras obras con cinta, cuchilla de afeitar y pegamento a modo
de collage sonoro.
La música concreta está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron la
descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (ej. una cinta, un
CD…) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo
cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos
resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y
definitiva como una partitura auditiva. El resultado de la música concreta es su
fijación en un soporte como la cinta de casete, el CD o un archivo informático, y
no anotando las notas sobre un papel.
Las técnicas que utilizó técnicas Schaeffer para crear sus composiciones:
son: ajuste velocidad de la cinta, hacerla sonar para atrás, pasar el sonido por
iltros, crear blucles (repeticiones indefinidas), se mezclan con sonidos
sintetizados (concretos). Se usaban tocadiscos, mezcladores, micrófonos,
filtros, etc.
Obra: Études aux chemins du fer (Pierre Schaeffer, 1948)
Instrumentos electrónicos creados para esta música:
- En los años 20: el Theremin y las ondas Martenot.
El Theremin es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Se
controla sin la necesidad de contacto físico del intérprete con el instrumento. Lo
creó el físico ruso León Teremin en 1920.
En 1928, el compositor e ingeniero Martenot creó un instrumento electrónico
denominado ondas Martenot, un generador de frecuencias bajas que se
utilizaba con el teclado de un piano.
- En los años 40 Hugh Le Caine crea el Electronic Sackbut, el primer
sintetizador programable.
- En los años 60: Don Buchia lanza las primeras unidades de sintetizadores
de sonido en EEUU.
• Permiten controlar cada aspecto del sonido (relacionado con el Serialismo Integral)
Un álbum a destacar: witched-on Bach (1968) es el álbum debut de la
compositora estadounidense Wendy Carlos, y se trata de una colección de
piezas de J. S. Bach interpretadas en un sintetizador Moog. Desempeñó un
papel clave al llevar los sintetizadores a la música popular, que hasta entonces
se había utilizado principalmente en la música experimental. Fue el primer
disco platino de música “clásica”.Top 40 del Billboard varios meses. Introduce
a música electrónica en el mainstream
Compositores de esta tendencia:
MESSIAEN, que compuso obras como Turangalila
BOULEZ, entre sus obras destacan El martillo sin dueño ("Le marteau sans maitre"), Destellos y Tercera sonata.
Queda
abolido lo natural. Se eliminan las formas vocales e instrumentales,
quedan suspendidos la tonalidad, la armonía funcional, la polifonía
sencilla y el ritmo simétrico (…) Nos hallamos estupefactos, y no
sin orgullo, por tener ante nosotros un arte controlado totalmente
por el espíritu del hombre, de una forma que nunca se había
imaginado antes.
(Stuckenschmidt,
en Die Reihe 1 (1955).
Los futuros compositores van a trabajar de forma muy parecida a la de los pintores, directamente con los materiales de los sonidos, con la asistencia de dispositivos como los magnetófonos.
En 1951 asiste a los cursos de verano de Darmstadt, bastión oficioso
del
serialismo y de corrientes vanguardistas afines.En 1952 estudió en París con
Messiaen. En 1953: acepta trabajo en el Studio fur elektronische Musik (Radio
Colonia).
Stockhausen influye en la música popular urbana, como por ejemplo en el disco
de The Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band(1967).
En su obra Elektronishe II, primera pieza de música electrónica que se publicó como partitura en 1954:
-Aparecen timbres nunca oídos
-Escala generada electrónicamente de 81 notas sin octavas ni otro intervalo conocido.
- Es una pieza en cinco secciones que se diferenciaban por la densidad de las texturas y perfiles dinámicos de los sonidos por separado
• Stockhausen creó un sistema de notación innovador: los números de la
línea central indican la duración de los sonidos medidos en la cinta
magnetofónica, en la que 76,2 cm, equivalen a 1 segundo.
• El sistema inferior muestra la gama de intensidad medida en decibelios.
• El sistema superior indica la gama de frecuencias de cada sonoridad.
Denominaciones
• Elekctronische Musik (Alemania): avances que permitían reproducir y
modificar sonidos mediante dispositivos electrónicos
• Musique Concrète (Francia): música concreta, tangible o material, basada
en la manipulación de sonidos preexistentes grabados en cinta magnética.
• Tape Music (EEUU): Música de cinta magnética para nombrar tanto los
sonidos grabados como los sonidos producidos electrónicamente.
• Computer Music: música asistida por ordenador creada a final de los 50
por músicos e ingenieros de sonido cuando comienzan a crear programas
y dispositivos para producir y manipular digitalmente el sonido.
• Música electrónica: abarca todos ellos.
• Música electroacústica: Cualquier música que dependa de la electrónica y
altavoces para su composición e interpretación.
Música electrónica en el cine:
El uso de la música electrónica en el cine se remonta a los años 20 del siglo XX, con el uso del theremín. En 1951, el compositor estadounidense Bernard Herrmann, utilizó dos theremines en su orquesta, en la película
Ultimátum a la tierra (1951).
La primera película cuya banda sonora fue compuesta íntegramente por instrumentos electrónicos fue Planeta prohibido (1956), compuesta por Louis y Bebe Barron.
A mediados de los años 60 del siglo XX, empezaron a desarrollarse los hoy denominados sintetizadores en películas como: la naranja mecánica.
• La Exposición Universal de Bruselas (1958):
– Poème électronique es una pieza de música electrónica de 8 minutos de E.Varèse, escrita para el Pabellón Philips en la Exposición Universal de Bruselas de 1958. La corporación Philips encargó a Le Corbusier que diseñara el pabellón (lo llamó Poema Electrónico). Varése compuso la pieza musical, y se trata de la primera pieza electrónica especializada y ambiental que combina elementos sonoros, arquitectónicos, lumínicos y fílmicos. El pabellón fue visitado por 2 millones de visitantes
Música
electrónica en vivo
•
Al comienzo, la música electrónica existió solo en cinta magnética
y no se podía recrear en tiempo real. Su interpretación se hacía a
través de emisión radiofónica o a través de altavoces en la sala
de conciertos. Se
combinaba
la cinta con intérpretes, bailarines, proyecciones...
–
Ej. San Francisco Tape
Music Center (años
60) ofrecían conciertos acompañados de luces, danza, para públicos
bajo la influencia de sustancias alucinógenas
–
Musica
Elettronica Viva (MEV),
es un grupo de improvisación con dispositivos electrónicos,
formado en Roma en 1966 para la participación de publico sin
formación musical. Fueron los primeros en experimentar con el uso de
sintetizadores paras transformar sonidos.
- Davidovsky es conocido principalmente por su serie de composiciones llamadas Synchronisms. En las presentaciones en vivo incorpora tanto instrumentos acústicos como sonidos electroacústicos reproducidos en una cinta.
Estudios
de grabación
•
Paralelo a los estudios dedicados a la música electrónica de
vanguardia, las compañías discográficas empiezan a montar estudios
y crear
sellos discográficos.
Una compañía discográfica, también conocida como sello discográfico, es una empresa que se dedica a realizar grabaciones de música, su comercialización y distribución; además, se encarga de lanzar nuevos cantantes.
Sellos discográficos.
– Sun Records (fundado en 1952, EEUU). Estilos en los que se centra: rock and roll, blues, country, rhythm and blues y rockabilly.
– Stax Records (1957). Es una de las más importantes compañías discográficas de la música soul, contemporánea de Motown. Es una de las más importantes compañías de música negra. Se creó en Memphis .
–
En
Memphis también surgen:
-
Motown
sound,
estilo de música soul con características distintivas
-
Nashville
sound,
se originó a mediados de la década de 1950 como un subgénero de la
música country esttadounidense.
• Albumes como:
- Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967), de The Beattles, es uno de los discos más influyentes de todos los tiempos, pues se aleja bastante del poprock convencional de la época, incorporando elementos poco comunes como música hindú, música psicodélica, music hall e influencias sinfónicas. Además, experimentaron con nuevas técnicas de grabación. La portada del album se considera una obra de arte.
- Glenn Gould,pianiusta canadiense, reconocido como intérprete de la obra para teclado de J.J.Bach, así como de las obras pianísticas de Schönberg.
Muy interesado en las nuevas tecnologías, llegó a ser especialista en las técnicas de grabación y fue uno de los primeros intérpretes clásicos en experimentar con técnicas digitales. Cada grabación la preparaba con todo detalle como una obra única, y pocas veces regrabó una pieza.
BERIO: "O king", "Coro para 40 voces",
MADERNA: Notturno
VARESE: Ionisation
Xenakis
Xenakis
La música de Ligeti fue utilizada por el famoso director de cine Stanley Kubrick en películas como: 2001 Odisea del Espacio de 1968, utilizando la música de Ligeti sin pedirle permiso. El músico se querelló y le exigió una reparación monetaria de un dólar (El amanecer del hombre), El Resplandor,1980, y en Eyes wide shut, 1999.
Parte de su obra Atmospheres (Atmosphere) se usó en 2001..., junto con su Requiem, que acompaña el descubrimiento del monolito. La locura del personaje central de El Resplandor se ve acompañada de la composición para orquesta Lontano de 1967.
En cuanto a su obra para piano destaca Musica ricercata, conjunto de 11 piezas . El primer movimiento está construido sobre dos notas, el segundo sobre tres y así hasta el último, construido sobre doce. Kubrick incorporó en Eyes wide shut el segundo movimiento.
MÚSICA MINIMALISTA, también llamada REPETITIVA.
Gracias por el buen aporte
ResponderEliminargracias por la informacion
ResponderEliminarMuy bueno! Gracias :)
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