LA EDAD MEDIA -------------------------------------------------------------------------------------------
CONTEXTUALIZACIÓN.-
La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo XV. Esta etapa está encuadrada entre la Antigüedad y el Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan como el inicio y el fin de la Edad Media:
- Caída del Imperio Romano de occidente (476)
- Descubrimiento de América en (1492)
En los siglos sucesivos a la caída del Imperio Romano de Occidente, la
fe religiosa se convierte en un punto común de estabilidad después de
perder su orden propio y quedar sumidos en la incertidumbre.
Ya
en el año 313 el Emperador Constantino había legalizado el ejercicio de
la fe cristiana declarándola religión de estado. Este hecho permite
que la Iglesia tenga un papel fundamental en la vida cultural y política
de Europa.
La Edad Media se divide en dos etapas:
- La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, guerras y enfermedades, en la que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la peste negra que asolarán toda Europa. Fue un período de escaso desarrollo cultural. La IGLESIA era una institución muy poderosa. Depositaria casi en exclusiva de la cultura, utilizó el arte y la música con fines didácticos
- La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica, política y también cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede poder a algunos nobles que se convierten en terratenientes y que en ocasiones llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI), de muros gruesos, arcos de medio punto, pequeñas ventanas y escasa elevación, era la expresión de una sociedad de fuertes creencias y muy inclinada al aislamiento y a la contemplación; y el Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El nacimiento de la polifonía.
SOCIEDAD.-
El ideal vigente en Europa desde el siglo XVIII al XII era la UNIDAD CRISTIANA.
Pero esta unidad, que se basaba en la idea de dos poderes universales (el Papa
y el Emperador), era más teórica que real. De hecho, Europa estaba fragmentada
en numerosos territorios, gobernados por señores prácticamente independientes,
aunque subordinados jurídicamente los unos a los otros. Este sistema se conoce
con el nombre de FEUDALISMO.
La sociedad estaba dividida en tres grupos:
- Nobleza y caballeros, a su cabeza estaba el rey. se dedicaban principalmente a la guerra.
- Clero. Distinguimos el alto y bajo clero.
- Pueblo llano. Cultivaban la tierra y servían al señor.
La economía se basaba en el cultivo de la tierra.
El papel de la iglesia. La Iglesia es el eje fundamental de la sociedad, y el canto gregoriano contribuirá a ello, puesto que durante gran parte del medievo es la música que impera en todos los territorios cristianos. En la Edad media, el poder y la cultura van a estar en manos de los monjes y religiosos, que se harán con el poder de una sociedad casi analfabeta.
No obstante, la música profana siempre tendrá un sitio, sobre todo en la Baja edad Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actúan en castillos, `plazas o calles de cualquier lugar.
- Nobleza y caballeros, a su cabeza estaba el rey. se dedicaban principalmente a la guerra.
- Clero. Distinguimos el alto y bajo clero.
- Pueblo llano. Cultivaban la tierra y servían al señor.
La economía se basaba en el cultivo de la tierra.
El papel de la iglesia. La Iglesia es el eje fundamental de la sociedad, y el canto gregoriano contribuirá a ello, puesto que durante gran parte del medievo es la música que impera en todos los territorios cristianos. En la Edad media, el poder y la cultura van a estar en manos de los monjes y religiosos, que se harán con el poder de una sociedad casi analfabeta.
No obstante, la música profana siempre tendrá un sitio, sobre todo en la Baja edad Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actúan en castillos, `plazas o calles de cualquier lugar.
VÍDEO: la Edad Media: Fe, ciencia y magia
MÚSICA PRIMITIVA CRISTIANA
Contextualización
El emperador
Constantino, mediante el Edicto de Milán (s.IV) reconoció a los cristianos,
perseguidos durante tres siglos, la libertad para reunirse y practicar su
culto; posteriormente, Teodosio (380)
declaró el cristianismo religión del estado y las otras creencias pasaron a ser
perseguidas. Esto significó la unión de
las raíces judeo-cristianas con la antigüedad greco-romana. La Iglesia
acabaría adoptando el papel único de heredera de Roma con la caída del Imperio Romano
de Occidente (s.V) y su derrumbamiento sociocultural.
Características de la música cristiana en sus inicios:
1.Raíces judías y helénicas
El culto cristiano primitivo se conformó
siguiendo las pautas judías de las sinagogas aunque introdujo, la principal
diferencia, el evangelio. La influencia
del mundo grecorromano se patentizó en la utilización del griego y el latín en
la liturgia de la iglesia cristiana prolongándose hasta el siglo IV. La huella helénica fue visible también en el uso de fórmulas métricas y algunas reminiscencias griegas
en los primeros pensadores cristianos.
2.Formas musicales: salmodia e himnodia
Importancia de los monasterios e iglesias de
Siria para el desarrollo de la salmodia antifonal y el uso de los himnos
a) Salmodia.- Es una técnica de
canto específica para los salmos que se practicaba entre los judíos en la
sinagoga, y posteriormente los primeros cristianos empezaron a incluirla en la
liturgia cristiana. Su origen se remonta al siglo IV.
· Salmodia responsorial. Los salmos se cantan alternándose un solista y
la congregación. Surgió de la alternancia de cantar el oficiante la
primera línea de cada versículo de los salmos y ser respondido por la
congregación con la segunda línea.
· Salmodia antifonal. La congregación se divide en dos coros.
Las dos partes del versículo o versículos
alternativos, eran cantados por turno por dos
coros.
b) Himnodia. Es un canto
en alabanza a la divinidad .San Ambrosio (s. IV) estableció el uso
regular de himnos y salmos en la liturgia cristiana de Occidente; de hecho, los
primeros himnos en latín se deben a él que, además, fijó su configuración con
estrofas de 4 versos y las melodías estaban prefijadas, no permitiéndose la
improvisación. La himnodia ambrosiana se
extendió a los cultos galicano, visigótico y africano, consolidándose en Roma
con el establecimiento de la regla benedictina (siglo VI).
3.Desarrollo
La liturgia unificada del cristianismo primitivo comenzó a desaparecer a
partir del s.IV debido:
- Los grandes centros urbanos empezaron a
desarrollar ritos propios, a partir
de las liturgias comunes de la Iglesia primitiva, llegando incluso, a utilizar
lenguas diferentes: en Oriente el griego y en Occidente el latín como lengua de
culto.
- La división territorial del Imperio entre
Oriente y Occidente.
- El nacimiento de posturas heréticas: gnosticismo,
monofisismo, arrianismo.
4. LITURGIAS
1. Greco-bizantina, quizás
la liturgia cristiana más antigua.
Constantinopla (construida por Constantino
sobre Bizancio) fue capital del Imperio
Romano de Oriente (s.V-XV). Su liturgia se originó en Antioquía, estableciéndose
en Constantinopla en el siglo IV. Se caracteriza porque:
1.- Se usa un estilo antifonal.
2.-Se desarrollan 2 himnos de estructura elaborada:
kontakia (s. VI), es un tipo de himno
de la iglesia ortodoxa griega.
kanones (s. VIII-X). Son elaboraciones
poéticas sobre textos bíblicos. Los kanones están divididos en ocho secciones
(de los cánticos u odas bíblicas), llamadas odas. Cada una con varias estrofas
y todas cantadas con la misma melodía.
Octoechos
o echoi. El echos o modo es un repertorio de motivos melódicos. Todos
los motivos de un mismo grupo están unidos entre sí por: expresar un mismo tipo
de sentimientos, ser congruentes en cuanto a melodía y ritmo, y son derivados
de una misma escala musical, la cual consta de determinados sonidos escogidos.
Los
echoi bizantinos eran ocho y se agrupaban formando cuatro parejas que tenían
como notas finales Re, Mi, Fa y
Sol.
2. Ambrosiano o de la Iglesia de Milán. Ha pervivido hasta la
actualidad.
Milán fue residencia
de los emperadores de Occidente. San Ambrosio, obispo de Milán (s.IV) introdujo
la salmodia antifonal en Occidente y creó himnos en latín para unir a sus seguidores. La
liturgia y la música milanesas llegaron a Francia, España y Roma. Similar al
canto romano, la liturgia ambrosiana suele ser más elaborada.
3.Galicana, se
practicaba en las Galias y fue abolido en la época de Carlomagno.
Floreció en el reino de los francos, con la dinastía merovingia. Su
dispersión y numerosas variantes facilitaron su sustitución por la dinastía
carolingia en favor de una liturgia híbrida. Desapareció antes de que
produjese una notación musical.
4.Celta
Originada en los monasterio irlandeses
fundados por San Patricio (s. VII), se extendió por Escocia y parte de
Inglaterra, llegando incluso a Saint Gall. Gregorio Magno consiguió reemplazar
el monacato irlandés por el benedictino a través de Agustín de Canterbury,
quien llegó al este de Inglaterra para convertir exitosamente a los sajones.
También la liturgia celta desapareció antes de que produjese una
notación musical.
5. Visigótico-mozárabe, practicado
por los visigodos cristianos antes y durante la dominación árabe,
pasando entonces a convertirse en la liturgia mozárabe. Se desarrolló
principalmente entre los siglos VI y VII, siendo sus principales centros de
difusión Toledo, Sevilla y Zaragoza. En época musulmana, también Córdoba. Cuando
las monarquías cristianas impusieron el gregoriano, en el s. XI, empezó su
decadencia y se extinguió por completo en s. XVIII. Las dos escuelas de notación fueron la
de Toledo (neuma (signos
musicales) casi en horizontal) y la de Silos y León (neumas en vertical).
6.El antiguo canto romano
Más sencillo que el
ambrosiano, surgió en Roma, siendo exportado al reino de los francos. Ese canto
romano se fusionó y evolucionó por Europa, pero en Roma predominó en su estado
original. Cuando el canto desarrollado
(gregoriano) regresó a la ciudad papal, acabó sustituyendo al antiguo canto
romano.
EL CANTO GREGORIANO
Vídeo Monjes de Silos: Canto gregoriano:
Los ocho modos medievales, la letra «F» indica la finalis y la «T» el tenor.
Secuencia: Lauda Sion del Corpus Christi.. Sto. Tomás de Aquino (s.XIII)
Guido denominó a este sistema de entonación solmisación, término que evolucionó a solfeo. Por otra parte, el canto gregoriano estaba organizado en sistemas de seis sonidos o hexacordos, habiéndose creado así para facilitar la enseñanza y la lectura de las melodías del canto llano. Teniendo en cuenta que el campo sonoro en el que se mueve el canto gregoriano abarca dos octavas, el sistema de solmisación de Guido extendió este ámbito a lo que denominó hexacordum ( seis acordes) y lo organizó obteniendo, como resultado, la mano guidoniana (esquema mnemotécnico especial con forma de mano. Las notas se distribuyen en las diferentes partes de la mano)), una herramienta para hallar los semitonos a la hora de cantar. Cada parte de la mano representa una nota del hexacordo. Para aplicar el sistema correctamente, el maestro indica una serie de notas sobre la palma de la mano y el estudiante las entonaba como la solmisatio.
LA EVOLUCIÓN DE LA ESCRITURA MUSICAL
Contextualización
Con la extinción del
Imperio Romano de Occidente (S.V) desapareció la música de la Antigüedad
Clásica, quedando vigentes tanto la música de la Iglesia como la música
profana. La música sacra tenía un carácter estrictamente funcional dentro de la
liturgia. De entre los diferentes cantos, fue el gregoriano el que se impuso en
la Europa feudal.
1. ORIGEN
Aunque la
tradición reconoce al papa Gregorio I (590-604) como principal impulsor del canto llamado con su nombre (gregoriano) y compositor del supuesto
Antifonario de Gregorio, se trata de adjudicaciones erróneas que comenzaron con
el Cantatorium de Monza (790), primer testimonio de canto gregoriano, y que
además le atribuye la creación de la Schola Cantorum.
Gregorio Magno no
compuso gran parte del canto romano, como se le ha atribuido, quizás
(lo cual es improbable) una pequeña proporción. Por otra parte, el Antifonario
de Gregorio (de admitir que éste hubiese organizado uno, como subraya la
tradición) debía carecer de indicaciones musicales, ya que hasta entonces no
había sido elaborado sistema alguno de notación.
En cuanto a la
fundación del coro papal mediante la Schola
Cantorum, ya existían grupos de cantores en el siglo V en Roma, colocados
en un espacio cerrado.
Lo que sí es
cierto, es que Gregorio Magno llevó a la Iglesia a potencia y autoridad moral suprema
en Europa Occidental. Su mayor logro fue la imposición del rito
romano en Gran Bretaña cuando Agustín de Canterbury y otros
benedictinos llegaron a Inglaterra en s. V. Más tarde, los misioneros
anglosajones importarían el rito a los territorios de los francos, adoptándolo
los reyes carolingios de la segunda mitad del siglo VIII (Pipino y Carlomagno).
Prolífico escritor
religioso (uno de los Cuatro Doctores de la Iglesia, junto con San Ambrosio,
San Agustín y San Jerónimo), trató de regularizar y organizar el
ritual de la Iglesia Romana, evitando, por ejemplo, que sacerdotes y
diáconos realizasen funciones vocales a expensas de otros deberes. Los
seminarios romanos prepararon a partir de entonces a los futuros coros de
cantores. También estableció orfelinatos con el mismo propósito
(formando seises).
Con Pipino El Breve,
tras destronar a la dinastía merovingia, empezó el fin de la liturgia galicana en
el reino de los francos. La Iglesia de Roma pactó con Pipino y se crearon los Estados Pontificios y la reforma eclesiástica en el reino de los francos, para ello se contó con la participación de monjes
procedentes de Inglaterra, lo que supuso una liturgia mixta (romana en sus líneas
fundamentales y elementos galicanos). Esta liturgia, difundida desde el siglo IX entre los Alpes y el Rin, emprendió el regreso a Roma siguiendo a
los emperadores del Sacro Imperio Romano-Germánico de la época de los Otones. El choque entre la nueva liturgia y el
antiguo canto romano concluyó con la imposición de la primera, que pasó a
llamarse canto gregoriano y que confirió cierta unidad litúrgica a Europa
Occidental.
2. ETAPAS POSTERIORES
1.- Periodo de difusión (siglos
X y XI)
2.-Renovación del canto
gregoriano, superando las acotaciones establecidas hasta el momento.
3.- Periodo de decadencia (siglos XII a XIX) se debe a:
La aparición de notaciones
diastemáticas y el desarrollo de nuevas fórmulas religiosas: secuencias,
tropos, dramas litúrgicos…
La aparición de las fórmulas polifónicas del Ars Antiqua y del Ars Nova
marcaron las pautas iniciales del declive.
Tras el Concilio de Trento (1545-1563), Palestrina primero y después su discípulo Guidetti recibieron el encargo de depurar el canto llano (gregoriano), reforma que culminó
tras la muerte de ambos.
El papa Urbano VIII condenó en 1632 los
viejos signos, suprimiendo así el viejo
repertorio. Las numerosas tentativas de restauración del canto oficial
tropezaron con la anarquía litúrgica de diversas diócesis; las versiones
todavía corruptas permanecieron durante dos siglos.
La Revolución
Francesa y las desamortizaciones resultantes culminaron este ocaso.
4.-Periodo de
reconocimiento
En la abadía de Solesmes se trató de
recuperar la liturgia gregoriana encargando un estudio del problema a
Jausions que concluyó Pothier con la publicación de Melodías gregorianas
(1880) y las ediciones del Liber Gradualis (1883) y del Liber Antifonarius
(1891).
Asimismo, un nuevo grupo de estudiosos jóvenes
de Solesmes publicó el Liber Usualis (1903), legitimado por Roma. Con todo, la consolidación definitiva de los estudios
modernos gregorianos surgió de la Escuela
Neosolesmense, iniciada por André Mocquerau (1849-1930) y que se tradujo en
el Antifoniario monástico (Desclée, 1934).
Al gregoriano se le suele equiparar con el arte románico: La expresión sonora del Románico.
VÍDEO: gregoriano interpretado por monjas gregoriano
3. CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO
a)
Características heredadas de la Antigüedad Clásica
- Una línea melódica (monodia)
que por el contexto religioso, se volvió exclusivamente vocal.
- La melodía se vincula al texto.
- En principio sin una notación con parámetros exactos de altura y
duración El resultado, por tanto, era siempre una interpretación diferente
de la misma pieza.
- El sistema de
formación de escalas que tiene su origen en los tetracordos.
b) Nuevas
características
- El repertorio
tuvo una evolución oral por lo
que las melodías eran simples para poder
ser memorizadas.
- El sistema de formación de escalas es modal,
conformado por los modos auténticos y sus plagales.
- El ritmo musical se corresponde con el ritmo de
las palabras y de las oraciones (en latín).
- Importancia de la
palabra sobre la música.
- La oscilación de la melodía adquiere una forma curva. El
registro melódico es más reducido en proporción a la antigüedad de las piezas. No
tiene grandes saltos, moviéndose por grados conjuntos y, a lo sumo, por
terceras. Las sílabas más destacas del texto suelen caer sobre las notas más
agudas.
- Interpretado por voces masculinas.
- Los cantos
son anónimos y pertenecen a la Iglesia.
- A capella.
4. REPERTORIO DEL CANTO GREGORIANO : los oficios y la misa.
Dentro de la estructura de la liturgia romana
hay dos clases principales: el Oficio y la Misa.
El papel fundamental del monacato
benedictino (San Benito funda el
monasterio de Monte Casino y crea las normas conocidas como Regla de San
Benito) es la difusión de la liturgia gregoriana por Europa, que hizo posible
la introducción de sus características
en la práctica religiosa (y por extensión, musical). Dentro de dichas normas se establecieron los servicios,
distinguidos entre el Oficio Divino y la
Misa.
A) Los oficios u
Horas Canónicas.-
El Oficio Divino es
la oración
diaria de las comunidades monásticas
repartidas a lo largo de las diferentes horas del día, tal como establece
la Regla de san Benito.
El Oficio consta de un
total de ocho cultos, los
Oficios, distribuidos en ocho horas :Maitines, Laudes,
Prima, Sexta, Nona, Vísperas, Completas. Los Oficios se celebraban diariamente y en orden regular.
B) La Misa
la Misa
es el servicio principal de la Iglesia. La palabra Misa proviene de la oración
con la cual se concluye el servicio: Ite missa est (Idos, se acabó la misa).
- Tipos de Misa: ·
Misa Solemne (Missa
Solemnis). Forma completa celebración que incluye una parte de canto.
En ella participan distintos miembros de
la Iglesia (sacerdote, diácono...)y hay un coro (canto) e incensación.
· Misa Privada
(Missa Privata). Es aquella que se realiza sin canto. También se conoce
como sencilla o privada. Es la forma simplificada de la
Misa en la cual un solo sacerdote se
hace cargo de las partes restantes y un
ayudante desempeña el papel del coro (sin canto). ·
Misa Cantada
(Missa Cantata). Un solo
sacerdote celebra la misa asistido por el
coro que canta. Puede tener o no incensación.
- Partes de la liturgia de la
misa:
·Ordinario.-
son las partes invariables de la misa:
Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei.
·Propio. Parte específica de la misa según la festividad.
Los textos cambian según la época del año litúrgico. La melodía suele estar
compuesta expresamente para estos cantos, los cuales son: Introito, Ofertorio,
Comunión, Tracto, Aleluya, Gradual.
*Los cantos tanto del Oficio como de la Misa, representaban
sólo una parte del enorme repertorio de cantos producidos en la Edad Media. En los siglos X-XII, se añaden a la
liturgia medieval composiciones con los nuevos ideales artísticos y métodos de
composición como el tropo y la secuencia.
El calendario litúrgico
a) Año litúrgico.
Consiste en dos ciclos desarrollados paralelamente:
· El Propio del Tiempo. Celebra las fiestas
principales relacionadas con Cristo, así como todos los domingos del año. Se
organiza en torno a dos fiestas principales: el Nacimiento (25 de diciembre) y la Muerte de Cristo (entre el 22 de marzo y el 25 de abril).
· El Propio de los
Santos. Fiestas de cada uno de los santos de la Iglesia,
incluyendo la Virgen María. En ocasiones coinciden con fiestas del propio
tiempo.
b) Organización semanal en torno al domingo, el día más importante de la
semana. Las fiestas más importantes relativas a Cristo se celebran en domingo,
festivo a partir del Edicto de Milán.
NOTACIONES Y PRINCIPALES GRAFÍAS
El canto gregoriano anterior al s. X fue transmitido oralmente. Los manuscritos más antiguos
destinados al coro únicamente contenían los textos. Todas las melodías tenían
que aprenderse de memoria. La primera notación que apareció en
fuentes prácticas fue la notación neumática en manuscritos gregorianos,
conociéndose exclusivamente a través de manuscritos litúrgicos.
LA
NOTACIÓN NEUMÁTICA (siglo VII al X, notación adiastemática)
El primer paso para
facilitar la labor de los cantores fue la introducción de varios signos
escritos (neumas, significa
aliento) encima de los textos de los cantos. Estos signos se
desarrollaron a partir de acentos gramaticales que indican la elevación (agudo)
o la caída de la voz (grave). La notación neumática hacía referencia también a
un melisma cantado, sirviendo únicamente como ayuda memorística para un cantor
que ya conocía la melodía.
El sistema de notación neumática en el s. IX llegó a ser de
uso común y se escribía en campo aperto (sin pentagrama y sin pautas).
. LA NOTACIÓN DIASTEMÁTICA( siglo X-XIII), supuso que las
notas de altura idéntica aparecieran siempre al mismo nivel, aunque no
precisaba la altura del sonido.
Los principales
neumas distemáticos eran: el punctum (trazo corto horizontal o un
simple punto). Indica un sonido más bajo respecto el anterior, y la virga,
que señala un sonido más agudo.
Guido d ´Arezzo (s.X), tomando como base el Himno a San Juan Bautista, utiliza la primera sílaba de cada verso- que comenzaba en un sonido de la escala, para dar nombre a las notas musicales.
Pronto apareció una línea trazada con punta seca, que después
se pasó a tinta roja para el fa ,luego, a una segunda línea trazada con tinta amarilla para el do. Posteriormente se añadió otra línea para SOL, y, posteriormente, una cuarta, surgiendo el tetragrama. En el siglo XII
aparecieron manuscritos con tetragrama, además
de claves consistentes en letras colocadas al principio del tetragrama. El
tetragrama se hizo cada vez más corriente y la forma de los neumas evolucionó para permitir una
colocación exacta sobre las líneas y los espacios. En el norte de Francia se desarrolló las figuras cuadradas (al utilizar en la escritura la pluma en punta de
bisel), dando lugar a la notación cuadrada que forman la base de la notación
moderna del canto llano, la cual se generalizó en toda Europa a partir del
siglo XIV.
Con el tiempo, la anotación musical, que había comenzado
indicando las curvas melódicas a modo de referencia, acabó precisando la
altura.
1 
2 
2 
1.-Primeros neumas, que aparecían como pequeñas marcas junto a las palabras. Fragmento de Laon, Metz, mediados del siglo X.
2.-La pieza Mariam matrem virginem, contenida en el Llibre Vermell del Monasterio de Montserrat, escrita en notación cuadrada gregoriana del siglo XIV.LOS MODOS GREGORIANOS O ECLESIÁSTICOS
Toda la teoría
medieval hasta el s. XI procede más o menos modificada de la teoría griega que,
absorbida por Roma, pasó a Bizancio y de allí a todo Occidente. El sistema
modal no adquirió su forma completa hasta el siglo XI, siendo Alcuino de York
(s IX) el primero en emplear la terminología definitiva.
Los ocho modos medievales, la letra «F» indica la finalis y la «T» el tenor.
La estructura de los modos eclesiásticos es
la de una escala diatónica con el SI
BEMOL como única nota alterada permitida.
Su clasificación se hace basándose en sus
notas finales comprendidas en el tetracordo.
Los modos eclesiásticos son
ocho, construidos mediante dos tetracordos ascendentes.
Se identifican con números y se agrupan por pares. A
partir de los cuatro modos impares, auténticos u originales (PROTUS I,
DEUTERUS III, TRITUS V, TETRARDUS VII), se forman los cuatro modos plagales o derivados
( con números pares).
Ambos modos tienen
las mismas notas y comparten la misma final.
La diferencia entre un modo
auténtico y su relativo plagal es la nota dominante y el ámbito que
determina la nota más grave y aguda del modo.
Cada modo tiene dos notas
básicas: la tenor (principal nota sobre la que se apoya el canto, que
suele actuar a modo de polo o cuerda de recitación), y la finalis que es la
nota final con la que concluye el canto.
La relación entre
los modos auténticos y plagales se establece de la siguiente forma: cada modo
auténtico está formado por una quinta y una cuarta. En los modos plagales el
orden se invierte y el tetracordo inicia la escala pero una octava más grave.
así el ámbito de los modos plagales se desplaza una cuarta más grave respecto a
su correspondiente modo auténtico.
Los modos auténticos
cantan en un ámbito más agudo de la melodía. En los modos plagales el ámbito es
más reducido, moviéndose en un intervalo comprendido entre la final y la
dominante.
La nota final (nota conclusiva),
el tenor y el ámbito sonoro (nota más aguda y nota más grave) constituyen las
principales referencias para definir los modos
Los presuntos
modos griegos
Mientras
el sistema modal se iba conformando a lo largo del siglo X, los teóricos
trataron de identificarlo con las antiguas escalas griegas: los nombres
griegos se aplicaron erróneamente a los modos debido a que Boecio, en su De Institutione Musica (siglo VI),
creó la falsa impresión de que los echoi bizantinos eran herencia directa de
los antiguos griegos. Como consecuencia, a cada escala se le atribuyó ethos
en función del carácter que se decía que transmitían dichos modos.
ASPECTOS ESTILÍSTICOS
A.- Ritmo. Como las
distintas notaciones gregorianas no aportan los valores de las notas, en el siglo XIX se establecieron dos corrientes:
1.-Los defensores del ritmo o ratio (ritmo basado en la declamación de los textos) y
2.-Quienes
abogaban por el ritmo medio (como si se tratase de música
figurada). Dentro de esta última opción,
se hallaban los
. Mensuralistas, combinaciones de tipo largo y corto
.Los ecualistas
:todos los sonidos tienen igual duració) y
.Quienes defendían un ritmo completamente libre.
B.-Ámbito. El de las voces
masculinas, abarcando una distancia máxima de una 9ª, si bien las más frecuentes
eran de 5ª o 6ª.
C.-Tipos de neumas: estilos
- Silábico ( o recitativo). Una nota por cada sílaba del texto.
- Neumático. Dos o tres notas por
sílaba (equivalente a un neuma).
- Melismático. Más de
tres notas por sílaba (equivalente a un melisma).
DESARROLLOS POSTERIORES: NUEVAS PIEZAS MONÓDICAS
A
partir del siglo IX aparecieron una serie de piezas monódicas religiosas de nueva composición no consideradas dentro del canto llano: tropo y secuencia.
El
tropo
Es una frase
o adición (texto-melodía) insertada en un canto de la misa o del oficio
preexistente. Se
comienza a tropar en los siglos IX-X hasta el siglo XII.
Hay varios procedimientos:
- Adición de texto y música de nueva creación a
un canto llano existente.
- Adición de música ampliando la existente,
mediante melismas o añadiendo nuevos melismas al texto.
- Adición de texto a una melodía existente. Saint Gall destacó en este
sentido, si bien se convirtió en una costumbre de muchos monasterios.
Tropo: al texto se le añaden melismas.
La
secuencia
En origen se trataba
de un texto añadido que se cantaba después del Aleluya (sequentia). Alcanzó su forma definitiva como pieza independiente en el siglo XII,
dejando de usarse paulatinamente a partir del siglo XIII. Las reformas del
Concilio de Trento abolieron la mayor parte de estas piezas, salvo Victima
paschali laudes (Pascua), Veni Sancte Spiritu (domingo de Pentecostés), Lauda
Sion (Corpus Christi) y Dies irae.
- La prosa es el
nombre medieval de la secuencia, llamada así por tener en origen textos en
prosa. En el siglo XII el término se aplicó a los melismas del Aleluya,
enlazados con secuencias de texto poético. Como su diminutivo, la prosula
aludía al aumento de palabras nuevas a los melismas de algunas piezas del canto
llano.
EL DRAMA LITÚRGICO
El drama litúrgico se originó en las iglesias europeas a finales del siglo ix y a partir de breves composiciones dramáticas cantadas o recitadas en latín, en la que se cantan, explican y desarrollan determinados aspectos de la vida, muerte y resurrección de Cristo, desarrollándose a lo largo del medievo en España y Francia. Su evolución generó los milagros, los misterios y los autos sacramentales. En el ámbito musical puede considerarse como germen del drama sacro.
Se considera que el drama litúrgico tuvo su origen en los tropos, breves textos recitados o cantados en forma de diálogo, (probablemente nacidos en torno al canto del Aleluya), que comenzaron a tener estructura musical en algunas de las más importantes fiestas litúrgicas como la Navidad y la Pascua.
Su uso más antiguo se localiza en el siglo ix, en en la abadía de San Gall (Suiza) y de ahí se difundieron por Europa.
El concepto de drama litúrgico surge cuando se pasó de cantar simplemente el breve texto acompañarlo de una pequeña representación alrededor del altar. Estos embriones del drama litúrgicos tenían ya un sentido didáctico. Las primeras representaciones conocidas de drama litúrgico son las del llamado Quem quaeritis? o Visitatio sepulchri, asociado con las celebraciones de la Vigilia Pascual, que dramatizaba la visita de las Tres Marías al sepulcro de Jesús, en busca de su cuerpo el día de la Resurrección, y su conversación con un ángel. Se desarrolló por toda Europa occidental en los ss. X y XI. La primera noticia de este drama litúrgico en la península ibérica se da en unos breviarios de finales del s.XI del monasterio de Santo Domingo de Silos.
El texto dice así:
Quem quaeritis in sepulcro, cristicole?/ ¿A quién buscáis en el sepulcro, cristianas?
Hiesum nazarenum crucifixum, o celicole./ A Jesús Nazareno crucificado, habitantes del cielo.
Non est hic, surrexit sicut praedixerat./ No está aquí, ha resucitado como había dicho.
Este texto se interpretaba por dos grupos de cantores que se alternaban representando los papeles de ángeles y mujeres; pronto la representación se teatralizó incluyendo vestuario y acción, y se desgajó de la ceremonia litúrgica para convertirse en una verdadera representación teatral. Se fue extendiendo e incluyó nuevas escenas, como el diálogo inicial de las mujeres durante su camino hacia el sepulcro, el anuncio posterior a los apóstoles o un monólogo de María Magdalena.
El Quem quaeritis se imitó para otras festividades, como Navidad o Ascensión, y sirvió de modelo para otras composiciones similares. A partir de aquí comenzó un importante desarrollo de las obras musicales dialogadas y representadas, que hacia los siglos XII y XIII incluían ya historias bíblicas o alegóricas, con multitud de personajes y una extensión considerable. Una de estas obras es Ordo virtutum, de Hildegard de Bingen,( siglo XII), que presenta un tema moral: el intento de las virtudes de conseguir un alma que pretende arrebatarles el demonio.
LIBROS LITÚRGICOS
Los textos primero, junto con la música después, fueron
anotados en una serie de libros litúrgicos. Los principales ejemplos se
pueden recoger de la siguiente forma:
a.-Libros litúrgicos simples como el Antifonario (texto
musical con las partes cantadas), el Gradual...
b.-Libros litúrgicos
compuestos: dos tipos: del Oficio y de la Misa.
TEÓRICOS
Con el surgimiento
y la hegemonía del canto gregoriano aparecen una serie de teóricos inspirados en Boecio que propulsaron el pensamiento y
la praxis musical, que se hicieron extensivos a buena parte de la Edad
Media.
Boecio. Escribe De Institusione Musica, tratado
donde expone la relación del hombre con la música, basado en la
armonía musical del cuerpo y el alma. En esta obra, Boecio introdujo
la triple clasificación de la música en:
- Mundana (música de las esferas/mundo), que no era realmente audible y debía ser entendida en lugar de escuchada.
- Humana, unión armoniosa del cuerpo humano y lo espiritual.
- Instrumental, la menos importante, basada en las operaciones manuales para hacer sonar un instrumento.
Alcuino de York (Inglaterra734 – 804) . Utilizó por primera vez la terminología modal (protus, deuterus...). Su discípulo, Amaralio de Metz, impulsó la liturgia gregoriana.
Hucbaldo (. 840 - 920), monje, músico y
teórico. Se le atribuyeron hasta hace poco Musica Enchiriadis y Scolica Enchiriadis, cuya autoría
se debate ahora. De inspiración pitagórica por sus estudios matemáticos, Hucbaldo propuso trazar líneas para aclarar la escritura musical,
obteniendo dos, una roja para el fa, y la otra amarilla para el do, entre las
que se situaban cinco notas con una distancia máxima de una quinta.
Guido d´Arezzo, monje benedictino ( 991 - 1050) que escribió el segundo tratado de música - Micrologus (1025) - con mayor difusión en la Edad media, tras las obras de Boecio. Desarrolló
la idea de Hucbaldo, obteniendo el tetragrama (y acabando con la
notación neumática). Fue el impulsor del
nombre de las notas musicales, dado
que hasta entonces se denominaban con las notas del alfabeto; para ello utilizó
la primera sílaba de cada verso de un himno
a San Juan Bautista, aunque exceptuó la nota si.
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
Guido denominó a este sistema de entonación solmisación, término que evolucionó a solfeo. Por otra parte, el canto gregoriano estaba organizado en sistemas de seis sonidos o hexacordos, habiéndose creado así para facilitar la enseñanza y la lectura de las melodías del canto llano. Teniendo en cuenta que el campo sonoro en el que se mueve el canto gregoriano abarca dos octavas, el sistema de solmisación de Guido extendió este ámbito a lo que denominó hexacordum ( seis acordes) y lo organizó obteniendo, como resultado, la mano guidoniana (esquema mnemotécnico especial con forma de mano. Las notas se distribuyen en las diferentes partes de la mano)), una herramienta para hallar los semitonos a la hora de cantar. Cada parte de la mano representa una nota del hexacordo. Para aplicar el sistema correctamente, el maestro indica una serie de notas sobre la palma de la mano y el estudiante las entonaba como la solmisatio.
Se modificó la forma
de los neumas, ya que se marcaron con más fuerza debido a la sustitución de las
plumas de escritura en punta por otras de bisel. Con el tiempo estos neumas se fueron
transformando hasta dar lugar a la notación cuadrada.
En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota La).
VÍDEO: GUIDONIAN Hand
Himno de San Juan y mano guidoniana himno de San Juan
LA EVOLUCIÓN DE LA ESCRITURA MUSICAL
VÍDEO: Problema de no tener notación musical:
Himno de San Juan:
Contextualización
Sólo se conservan ejemplos de música profana a partir del siglo XI.
A. LA LÍRICA PROFANA LATINA
La lírica profana latina
tenía el inconveniente de estar escrita en latín y ser, por tanto, proclive a la censura. De la influencia
de las entonaciones de textos poéticos clásicos y de himnos litúrgicos surgió
un primer autor, Venancio Fortunato ( Italia, 530–Francia,609) al que su producción poética le sitúa como el primer compositor profano.
CANCIONES DE GOLIARDOS.
Los goliardos eran estudiantes y frailes que habían abandonado el convento, y vagaban por el mundo llevando una vida desordenada, criticada por la gente. Sus canciones cuentan historias jocosas de tabernas y amoríos, en las que se hace burla de las cosas consideradas serias. estos cantos están reunidos en un manuscrito encontrado en Alemania en el s. XIX llamado Carmina Burana.
Las primeras canciones no religiosas datan de los siglos XI y XII, están escritas en latín y se les da el nombre de canciones de goliardos.
1.FUENTES
- Planctus. Lamentos
por la muerte de algún personaje ilustre.
- Manuscrito de Cambridge (s. XI).
Secuencias, poemas líricos o eróticos y canciones sobre personajes históricos.
- Manuscrito de Munich o Carmina Burana
(Canciones de Beuern). Copiado a finales del siglo XIII, el manuscrito se
encontró en 1803 en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Baviera), instalándose
finalmente en la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich. Antología de 300
poemas, de los cuales 55 tienen música escrita en alemán y el resto en latín.
La colección se encuentra dividida en 6 partes:
· Carmina ecclesiastica: canciones sobre temas religiosos.
· Carmina moralia et satirica: cantos
morales y satíricos.
· Carmina amatoria: canciones de amor.
· Carmina
potatoria: contiene obras sobre la bebida, y también parodias.
· Ludi: representaciones religiosas.
· Supplementum: versiones de todas las
anteriores, con algunas variaciones.
2.FORMAS MUSICALES
- Conductus
(siglos XI-XIII). Cualquier canción
latina no litúrgica sobre algún tema
sacro o profano. Su melodía solía componerse nueva .Nada que ver con el conductus
basado en temas sagrados (en especial la Navidad).
- Planctus.
Forma de lamento medieval divulgada
aproximadamente entre los siglos IX y XV, con
texto en latín y, en ocasiones, en alguna lengua vernácula.
- Canciones con estribillo de
tipo Rondellus. Técnica de composición
polifónica a tres voces desarrollada en Inglaterra durante el siglo XIII.
Se basa en el intercambio de voces iguales que puede restringirse a las voces
superiores apoyadas por un tenor repetitivo o aplicarse a las tres. Esta
técnica implica la composición de una melodía simple que, combinada consigo
misma en imitación, es consonante. Cualquiera de las dos voces superiores se
combinaba con una frase repetitiva en la voz más grave (conocida como pes), o
bien se mantenían independientes.
B. LA LÍRICA PROFANA NO LATINA
1. JUGLARES Y MINISTRILES:
Los juglares, situados un escalón más bajo
que los goliardos, eran actores itinerantes que iban solos o en grupo y
ejercían como bailarines, cantantes, instrumentistas, acróbatas, mimos,
narradores de historias… Aparecieron en
torno al siglo X, mejorando su situación con el crecimiento de las
ciudades. Musicalmente destacaron como
intérpretes de canciones de gesta. se conoce el nombre de algunos, como Cercamón, Mattius, Orazio, el Genovés... Según el gran poeta italiano Petrarca, se trataba de gente de no mucho ingenio, pero de memoria sorprendente, muy industriosos e impúdicos más allá de toda moderación.
Los ministriles eran instrumentistas que interpretaban y bailaban
composiciones ajenas. Durante el
siglo XI se organizaron en cofradías, las cuales evolucionaron en gremios
de músicos que ofrecían un adiestramiento profesional. Hacia el Renacimiento,
los ministriles se convirtieron en músicos al servicio de capillas y/o
ciudades.
VÍDEO: TUTORIAL CON EL QUE PUEDES APRENDER A TOCAR CON LA FLAUTA MÚSICA MEDIEVAL, música medieval
2.TROVADORES/ TROBAIRITZ Y TROVEROS (la canción cortesana)
Esas palabras
significan lo mismo: los que encuentran,
inventan o componen en verso.
Vers (versus) fue la primera denominación común de las
canciones de trovadores en lengua vernácula.
- Trovadores
(siglos XI-XIII).- Poetas-compositores (trobairitz, si es una mujer) que surgieron en Provenza
.El término troubadour se utilizaba en
el sur de Francia. Escribían en
provenzal o lengua d´oc. Su arte,
inspirado en la vecina cultura hispano-morisca de la Península Ibérica, se
difundió en el norte. La Cruzada Albigense contra los herejes del sur de
Francia (1209) inició el declive del movimiento trovadoresco; antes de su
definitiva extinción, casi todos los trovadores que sobrevivieron encontraron protección
y patronazgo en Sicilia, en el norte de Italia, Navarra, Aragón y Castilla.
El primer trovador conocido es Guillermo XI de Aquitania. Otros trovadores: Adam de la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León, Martín Codax (gallego), Rimbaut de Vaqueiras (catalán), alfonso X, El Sabio.
- Troveros
(siglos XII-XIII). Poetas-compositores del nordeste de Francia. El
término trouvère se utilizaba en el
norte de Francia . Escribían en lengua d´oïl,
o francés medieval. Al interrumpirse la actividad por la Cruzada Albigense en
el sur de Francia, los troveros impusieron su producción musical. A lo largo del siglo XIII, al origen aristocrático de estos
compositores se añadió el burgués. En la actualidad se conservan en torno a
2400 poemas de troveros y 1700 melodías.
Tanto
los trovadores y troveros como su arte, florecieron casi siempre en círculos
aristocráticos, si bien un artista de cuna más baja podía ser aceptado
por una clase social superior en función de su talento. Trovadores y troveros
creaban y cantaban sus obras. Las composiciones seguían las reglas de los
tratados de las poéticas medievales, basados en la retórica latina, normas
complejas que implican cultura y habilidad por parte del artista.
La
canción cortesana
A) Temática. Casi exclusivamente amorosa, concebida al
servicio de las damas. Aborda el amor de un hombre a una mujer, del
poeta a su dama, con ciertas condiciones y limitaciones como el uso de
expresiones y léxico particulares, relacionados con el lenguaje feudal (pacto,
derecho…). La mujer es la señora; el trovador, su siervo, lo que explica que en
ocasiones se haga referencia a la mujer en masculino (dons). Los trovadores
ensalzan las virtudes de las señoras, mostrando un afecto real o fingido que
ellas aceptan y sus amigos conocen. Asimismo, las damas tienen que estar
casadas, correspondiendo al marido el papel de celoso. Este tipo de amor se
opone al rústico o villano, el cual sólo atañe a la parte carnal. Otros temas
que abarca la canción cortesana son satírico, eucarístico, discusiones técnicas
o poéticas entre dos autores.
B)
Formas musicales trovadorescas.
- Balada: Consta de un estribillo A y
una estrofa cuyo final rima con el estribillo: AA bAba AA ·
-Danza.
Muchas veces se ponían en boca de una mujer y solían hacer alegres invitaciones
a gozar de la vida, amando y vilipendiando a los celosos (maridos). Estribillo
y estrofa son independientes el uno del otro.
·Estampie.
Danza de carácter instrumental. Estaba compuesta de diversas secciones,
cada una de las cuales se repetía.
- Tipos de canciones y
danzas afines a los troveros
·Chansons
de geste (ejemplo, Chanson de Roland), más épicas que líricas y
acompañadas de arpa o viela.
- ·Lais (siglos XIII-XV). De temática amorosa. Se caracterizan
por la irregularidad formal de sus poemas.
·Descorts (discordias).
Riña sentimental.
- ·Rondeau. Danza en
círculo en las que se alternaba la interpretación del grupo de los estribillos
con los versos cantados por el que dirigía la danza.
c) Según su forma:
- Estrófica.- Con numerosas formas diferentes.
- Utilización de estribillos.- especialmente característicos de las canciones de danza. Se piensa que un grupo lo cantaba en alternancia con un solista que dirigía la danza.
- Lai.- sucesión de estrofas con diferente rima y estructura rítmica, nunca sujeta a un compás sino dependiente del texto. además, cada estrofa tiene su propia melodía.
d) Laudas y cántigas
- Laudas o laude spirituali (alabanzas espirituales). Canciones
religiosas no litúrgicas de alabanza a Dios y a los santos escritas en
italiano, aunque en ocasiones todo o parte del texto puede estar en latín;
se cultivó en Italia del siglo XIII al XVI. Se desarrollaron como obras
monódicas en el norte de Italia en el siglo XIII, volviéndose polifónicas en el
siglo XIV. En realidad son madrigales espirituales sobre textos estróficos,
considerados como el antecedente del oratorio romano y de la frottola. De ritmo
regular y estructura armónica sencilla, los primeros ejemplos muestran
similitudes rítmicas con las composiciones trovadorescas, sobre todo en su estilo melódico y
especialmente en su notación (debido a la emigración trovadoresca a Italia por
la Cruzada Albigense).
- Cantigas
Son poesías cantadas compuestas (letra y música)
por trovadores e interpretadas por el juglar, que a veces también era trovador.
Las cantigas portuguesas están recogidas, en notación mensural, en los llamados
cancioneros, los cuales reunían gran número de trovas. Se conocen tres
cancioneros: el Cancionero de Ayuda,
el Cancionero de la Biblioteca Nacional de Lisboa y el Cancionero de la Vaticana.
a) CLASIFICACIÓN DE LAS
CÁNTIGAS (por métrica, por
temática, por estilo y fuentes)
1.- POR MÉTRICA (octosílabos o decasílabos con rima consonante)
-Cantiga
de refrán. Se utiliza sobre todo
en las cantigas de escarnio y en las cantigas de amor. Tienen su origen en
la poesía de los trovadores provenzales. Su elemento característico es el
estribillo, y su desarrollo es regresivo (el último los últimos versos de cada
estrofa nos hacen volver al estribillo).
-Cantiga
de maestría. Su origen es culto. Su modo de composición es progresivo.
2.-POR TEMÁTICA
-Cantigas de amor. Canciones de amor.
Las más importantes por número (6 con música de las 400 totales). El trovador
se dirige a su amada. Destaca la atmósfera: mar, olas, ciudad de Vigo… Pueden
tener refrán
-Cantigas
de amigo. Puestas en boca de una mujer enamorada que se queja de la
ausencia de su amado. Uso de figuras literarios como los ciervos, el agua
turbia o el amigo (amado).
-Cantigas de escarnio. Crítica
indirecta a un enemigo o a la sociedad.
- Cantigas de maldecir. Crítica
directa a un enemigo a la sociedad.
- Otras
(Serranicas, tensons… etc.).
3.-
ESTILO DE LAS CANTIGAS, en lengua galaicoportuguesa y notación
mensural, se cantaban con un ritmo declamatorio, desconociéndose si tenían
acompañamiento instrumental. Era frecuente el recurso del íncipit (primeras
palabras de la cantiga) como título de la misma. La estructura constaba de
estribillo, una estrofa cuyo pie segundo repite la tonada del estribillo y de
nuevo el estribillo: AbbaA.
2.LAS FUENTES
DE LAS CANTIGAS españolas son dos:
-Cántigas de Santa María
-Cántigas de amigo de Martín Codax.
INSTRUMENTOS MUSICALES DEL PÓRTICO DE LA GLORIA (tomado de Albertosolana.wordpress
ARPA ROMÁNICA:
Es uno de los instrumentos más antiguos de la humanidad, y consiste en pulsión de cuerdas tensadas por medio de un marco resonante de forma triangular. Las cuerdas pulsadas o con los dedos o con una púa o plectro. Los que se ven en la iconografía española son del modelo irlandés. Las primeras imágenes aparecen en el siglo XI, en el Beato del Burgo de Osma, en la Biblia de Roda. Los que aparecen en las Cantigas de Alfonso X el Sabio, son arpas de tipo gótico.
ARPA SALTERIO
Es una especie de triángulo con cuerdas situadas a ambos lados
de la caja de resonancia. Para ser tañida se sostenía como un arpa. Se trata de uno de los instrumentos más enigmáticos que existen, porque no dejó casi ningún descendiente para estudiar su evolución. Sin embargo parece que fue muy popular en la Edad Media, tan solo superado por el salterio.
SALTERIO
De forma triángular o trapezoidal, está formado por una
caja de resonancia plana sobre la que se extienden en paralelo las cuerdas que se pulsan con un apéndice o plectro, colocando el instrumento sobre las rodillas. El más popular e la España medieval, se cita en la Biblia como acompañante del canto de los salmos. Aparece representado en el pórtico del Paraíso de Orense, en el portico de la Gloria y en las miniaturas de las Cantigas de Santa María.
LAÚD
Se trata de un instrumento de cuerda pulsada o rasgueada, sin agujeros sonoros. Es de procedencia árabe. Mástil largo con un
cuerpo estrecho con lados casi rectos, esquinas redondeadas y fondo abombado, probablemente obtenido por el vaciado de un medio tronco de madera. Da lugar a distintas variedades de forma y tamaño.
FÍDULA o VIOLA OVAL
Instrumento de cuerda por frotación con arco, provisto de másti
l largo y caja armónica con dos agujeros sonoros y cuerpo de forma ovalada. Era muy conocido en la Edad Media y de uso generalizado, aunque variaba el número de cuerdas. Se tocaba con arco como los actuales violines y violas, aunque su forma de apoyar es variable, unas veces sobre las piernas y otras sobre el brazo o el hombro.
FÍDULA O VIOLA EN OCHO
Similar al anterior, también tocado mediante frotación con arco,
aunque la forma de la caja de resonancia está estrangulada en dos partes, como un ocho. En el siglo XIII tenía cinco cuerdas. Es el instrumento con el que aparecen pintados los juglares, quienes con frecuencia lo usaban para acompañarse. En el medievo se llama a veces vihuela.
ORGANISTRUM.
Instrumento único que corona el pórtico portado por los dos ancianos centrales 12 y 13. Muy 
citado en los textos medievales, su nombre deriva de la contracción de organum e instrumentum. Su forma es de fídula en ocho donde la frotación del arco se sustituye por una rueda girada por una manivela; en lugar del mástil hay otra caja alargada con teclas para accionar las cuerdas por un mecanismo de tracción. Este modelo, por su tamaño debía ser manejado por dos músicos, uno que giraba la manivela y otro que accionaba el teclado. La reproducción del pórtico es de asombrosa precisión técnica.
3.MINNESÄNGER Y MEISTERSÄNGER
La poesía alemana
medieval, originada a mediados del siglo
XII, contaba con sus propios creadores, procedentes de la nobleza, de la caballería y de ciertos
vasallos con talento.
-
Minnesänger. “Cantores del
amor cortés”. Trovadores germanos. La mayoría de los tipos poéticos en los
repertorios trovadorescos y troveros se reiteran en las canciones de los
minnesänger. La sociedad aristocrática que apoyó a este tipo de músicos se
formó a mediados del siglo XII, prosperando con emperadores del Sacro Imperio.
- Meistersänger.
Cuando en el siglo XIV se produjo el declive de la caballería feudal e
incrementaron su auge las ciudades, el minnesang (canto cortesano) se
desarrolló y formó la tradición de los Maestros
cantores (meistersänger), cuyo
origen social era burgués, a
diferencia de los minnesänger, que provenían de la clase aristocrática.
Los meistersänger se agruparon en corporaciones, especie de escuelas de canto con reglamentos
y estatutos fijos. En estas escuelas se aprendía el canto y la tablatura
(conjunto de reglas de aplicación mecánica a las que se sometían al componer
sus canciones.
Los de las escuelas se
dividían en tres categorías:
- los alumnos
- los poetas, quienes componían nuevos
textos a melodías nuevas
-los maestros, quienes creaban tanto
textos como melodías nuevas.
Cuando se componía
una obra debía presentarse a un tribunal de maestros que juzgaba la conformidad
de la obra con las reglas de la tablatura.
Las canciones se recopilaban en
manuscritos que se guardaban celosamente. Su mayor esplendor se alcanzó en los siglos XV y XVI; la decadencia, en
el siglo XVII.
El meistersänger más conocido
fue Hans Sachs, personaje
protagonista de la ópera wagneriana... La temática de las canciones de los meistersänger es variada: textos
bíblicos, textos político-satíricos y canciones cómicas y de danza.
INSTRUMENTOS
MUSICALES
Se desconoce la clase de música
instrumental que se interpretaba antes del siglo XIII, encontrándose
sus fuentes en las referencias de bajorrelieves y esculturas (como los músicos
del Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela), en
miniaturas y similares de salterios y otros libros y en la poesía francesa de
los siglos XII y XIII.
Instrumentos de cuerda
- Lira. Sobrevivió al Medievo
- Arpa. Importada del continente desde
Irlanda y Gran Bretaña poco antes del siglo IX.
- Viela, fiedel (fídula). La del siglo XIII tenía cinco cuerdas,
una de las cuales era de resonancia.
- Zanfona o zanfoña. Se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda enresinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manillar o manivela. Se desarrolló durante el siglo XII y requería de dos intérpretes.
- Zanfona o zanfoña. Se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda enresinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manillar o manivela. Se desarrolló durante el siglo XII y requería de dos intérpretes.
- Organistrum.
Viela de tres cuerdas tocada por una rueda giratoria que se movía con una
manivela. Sus cuerdas eran teñidas por varillas en lugar de dedos. En la Alta
Edad Media fue un instrumento grande que requería de dos ejecutantes,
empleándose en las iglesias; después del siglo XIII degeneró en una forma más
pequeña cuyo descendiente actual es el organillo moderno
- Salterio.
Tipo de cítara, antepasado del clavecín y del clavicordio, que se toca por
punteo o frotación de sus cuerdas.
- Monocordio.
Aparato formado por una cuerda extendida sobre una caja de resonancia con un
puente móvil, posteriormente conocido
como manicordio y más tarde como clavicordio. Su origen se remonta al kanon
griego (sobre una tabla rectangular, en cuyos extremos se emplazaba un
puentecillo), consistiendo su empleo en el reconocimiento de intervalos y dar
tono. Los había de arco y normal.
- Laúd (del árabe ud, madera, con el artículo al). Debió pasar al Islam a través de
Mesopotamia y fue incorporado al mundo cristiano en el siglo XIII. Empezó a
adquirir los rasgos del laúd clásico europeo en el siglo XV, aumentando
entonces la longitud del mástil y almendrándose el perfil de su caja. Constaba
de tres órdenes dobles y prima sencilla (en España, constaría de cuatro).
- Guitarra. Según Curt Sachs fue el
resultado de la unión de los laúdes que penetraron por la Península Ibérica con
fídulas o vihuelas punteadas; según Ioannes Tinctoris, se trataba de un invento
de Aragón que tañían las mujeres. En el
siglo XI se distinguían dos tipos: ·Guitarra morisca (con fondo abombado y
cuerdas metálicas) y ·Guitarra latina
( con fondo plano, cuerdas de tripa y caja más entallada).
Instrumentos de viento
- Olifante.
Colmillo de elefante. Se usaba para dar señales en la caza, fabricándose en
África para clientes europeos. Había de dos clases: ·Europeo (se sopla por el
extremo inferior) y·Africano (se sopla de forma lateral).
- Gaita.
Instrumento con depósitos de aire, un tubo en bordón y lengüeta (doble o
sencilla)
- Flauta ·De pico
(flageolet del siglo XII, la cual iba acompañada por el tamboril).y Travesera.
- Fagot. Bajo del
oboe. Doble lengüeta, sección cónica, tudel curvado.
- Oboe. Doble procedencia: del aulós o de los moros.
- Chirimía.
Antepasado del oboe, parecido a la dulzaina y de doble lengüeta.
- Añafiles. Trompetas naturales. Trompas
rectas de metal. No tienen agujeros digitales. Se dan desde el siglo XV.
- Sacabuches. Parecidos a los trombones
actuales.
- Orlos. Con boca en forma de cayado.
Familia del oboe.
Instrumentos de percusión
- Campana, címbalos (platillos), tambor y tamboril, timbal.
Instrumentos de tecla
- Los órganos de las iglesias y dos tipos más
pequeños:
- Órgano portativo o portátil. Colgado
del hombro o apoyado sobre el muslo. Tenía una sola hilera de tubos. Se tañía
con los dedos de la mano derecha, mientras que la izquierda accionaba un fuelle
situado en la parte posterior o inferior. Su uso se generalizó en los siglos
XIII y XIV.
-
Órgano positivo o realejo. Debía colocarse o ponerse (positum) sobre una
mesa para tocarlo, y requería un ayudante para el fuelle. Muy usado a partir
del siglo XIV, vivió su época de esplendor en el siglo XV.
instrumentos musicales de cuerda del medievo
instrumentos musicales de viento y percusión del medievo
LA POLIFONÍA (MÚSICA DEL ARTE GÓTICO)
La eclosión de la vida urbana que tuvo lugar en el siglo XIII produjo una
gran transformación en las artes; nació un nuevo estilo arquitectónico, el arte
gótico ( empleo del arco apuntado , bóveda de crucería,…Se busca la elevación y
se da gran importancia a la luz y a las vidrieras), y un nuevo estilo musical,
la polifonía.
Todo el proceso musical que se desarrolló entre los siglos XI y XIV se caracteriza por el nacimiento de la POLIFONÍA.
Si el canto llano, el gregoriano, es la expresión musical del románico, la polifonía, el canto a varias voces simultáneas, lo es del arte gótico. el nacimiento de la polifonía se produjo de manera gradual, de lo simple a lo complejo.
Todo el proceso musical que se desarrolló entre los siglos XI y XIV se caracteriza por el nacimiento de la POLIFONÍA.
Si el canto llano, el gregoriano, es la expresión musical del románico, la polifonía, el canto a varias voces simultáneas, lo es del arte gótico. el nacimiento de la polifonía se produjo de manera gradual, de lo simple a lo complejo.
ORÍGENES DE LA POLIFONÍA EN OCCIDENTE (s.IX-XI)
Orígenes
La polifonía no es exclusiva de Occidente. Es un fenómeno común a todas las culturas. Pero a la polifonía que nos referimos en nuestro tema, es a una polifonía de carácter culto, que se desarrolla en el seno de la iglesia, y que se escribe.
La polifonía en Occidente se desarrolla en la Edad Media. En origen, la polifonía era un embellecimiento, no escrito, de la liturgia, de forma que su función era la de hacer más grandioso y solemne el culto, y durante los primeros siglos de su existencia (ss. IX- XIII d.C.) era esa su función principal. La aparición de la polifonía será el punto que propicie la aparición de la escritura musical, que permitirá diferenciar tanto la altura de los sonidos, como su duración.
Fuentes para conocer el origen
- Las referencias a música polifónica se remontan a los autores carolingios. Al parecer, San Agustín y Boecio ya conocían el concepto de consonancia armónica.
- No obstante, las fuentes prácticas más antiguas datan del siglo XI: Troparios de Winchester y unos fragmentos de la catedral de Chartres (polifonía en notación neumática).
-Las primeras fuentes con polifonía escrita datan del siglo IX, como vemos, por ejemplo, en obras de Prûm (+915) y Hucbaldo (840-930)). Por otra parte, a finales del siglo X d.C., en el tratado anónimo Musica Enchiriadis (atribuído a Hucbaldo).
- En otro tratado contemporáneo, también anónimo, relacionado con el primero, llamado Scolica Enchiriadis se hace referencia a una forma de cantar juntos llamada Organum (en plural Organa).
Adelantos que hicieron posible la aparición de la polifonía.-
En el siglo XI las mejoras teóricas y técnicas en el ámbito musical conllevaron los siguientes cambios:
- Sustitución progresiva de la improvisación por la composición. Acabó imponiéndose la idea de componer melodías en lugar de improvisarlas sobre estructuras tradicionales.
- La aparición de la notación posibilitó escribir la música en una forma que podía aprenderse de la partitura.
-Estructuración más consciente de la música, sujeta a ciertos principios de ordenamiento (teoría de los ocho modos, reglas del ritmo y la consonancia…). Dichos principios se formularon en sistemas y se desarrollaron en tratados.
- Reemplazo gradual de la monofonía por la polifonía.
FORMAS COMPOSITIVAS: ORGANUM Y DISCANTUS
1. EL ORGANUM (plural: organa)
En sus tratados del mismo nombre, De harmonica institutione, Prûm y Hucbaldo introdujeron el término organum (plural organa) e intentaron definir consonancia y disonancia. Hucbaldo entendía que el organum implicaba notas diferentes que suenan simultáneamente: La consonancia es la mezcla acertada y armónica de dos notas, la cual existe sólo si las dos notas, producidas en fuentes diferentes, se encuentran en un sonido conjunto, como sucede cuando la voz del muchach y la voz del hombre cantan lo mismo, o en lo que llaman comúnmente Organum.
El organum, origen del desarrollo polifónico occidental, evoluciona desde el s.IX hasta la mitad del s.XII, alcanzó su apogeo en la Escuela de Notre dame, centro del Ars Antiqua (entre los siglos XII y XIII).
El Organum (siglo IX y X)
Es la primera polifonía: A una voz tomada del gregoriano se le oponía por debajo (más grave) una voz totalmente paralela. Es un procedimiento compositivo que parte de una melodía gregoriana preexistente ( vox principalis, cantus firmus), a la que se añade (por debajo) una segunda voz (vox organalis) duplicada a distancia de cuarta, quinta u octava paralelas[consonancias perfectas] respecto a la voz original. A cada nota de la vox principalis le corresponde una nota de la vox organalis [Este movimiento de nota-contra-nota, punctum contra punctum, es el origen más arcaico del contrapunto].
Es la primera polifonía: A una voz tomada del gregoriano se le oponía por debajo (más grave) una voz totalmente paralela. Es un procedimiento compositivo que parte de una melodía gregoriana preexistente ( vox principalis, cantus firmus), a la que se añade (por debajo) una segunda voz (vox organalis) duplicada a distancia de cuarta, quinta u octava paralelas[consonancias perfectas] respecto a la voz original. A cada nota de la vox principalis le corresponde una nota de la vox organalis [Este movimiento de nota-contra-nota, punctum contra punctum, es el origen más arcaico del contrapunto].
Organum ,método de primitiva polifonía vocal paralela): la melodía principal se muestra como puntos negros.
............................................................................................................
* Desde los orígenes (s. IX. D.C.), la vox organalis se sitúa por debajo de la vox principalis, sin embargo, desde finales del siglo XI y a partir del siglo XII la vox organalis se situará por encima.
............................................................................................................
Los tipos de organum más iportantes:
a) ORGANUM PARALELO (organum purum) o ESTRICTO: Cuando ambas voces mantienen el mismo movimiento rígido,absolutamente paralelo, a un intervalo de octava, quinta o cuarta (polifonía primitiva,s. IX hasta finales del s.XI). Una melodía de canto gregoriano (vox principalis), era doblada por debajo por una segunda vox (vox organalis). Cualquiera de estas dos voces podía ser duplicada a la octava para crear música a 3 o 4 voces (organum paralelo compuesto).
VÍDEO: Órganum paralelo primitivo:organum paralelo, organum paralelo
VÍDEO: Órganum paralelo primitivo:organum paralelo, organum paralelo
El órganum es la voz inferior acompañante.
b) ORGANUM PARALELO MODIFICADO O CONVERGENTE: Se trata de un organum, en el que las melodías parten del unísono, se separan hasta una distancia de cuarta o quinta, y vuelven a converger hacia el unísono.
c) ORGANUM LIBRE.- Se trata de un tipo de organum que aparece a partir de mediados del siglo XI y antes del siglo XII. Este tipo de Organum se aparta del movimiento paralelo estricto que habíamos visto en Organum primitivo. El movimiento oblicuo gana presencia y libertad; los frecuentes cruces de voces se resolvían volviendo al unísono para separarse de nuevo cada una hacia su tesitura. Sin embargo, continúa moviéndose nota contra nota (puntus contra punstum), sin independencia rítmica.
En el organum libre, la melodía original (canto gregoriano) comienza a llamarse tenor y se ubicará por debajo de la voz añadida (organalis).La vox organalis, antes abajo, estrá siempre ahora por encima de la melodía original.
Es posible que la aparición del organum libre se deba al desarrollo del organum paralelo a la cuarta, ya que éste (y no el de quinta u octava paralela) provoca graves problemas de disonancias. Dos tratados uno de Cotton y otro anónimo) datados en torno a 1100 presentan tipos de organum libre.
En los siglos XI y XII la ejecución del organum seguía siendo una práctica improvisatoria, sin escritura.
. 2.DISCANTUS o discanto. (siglo XI).-Es una polifonía a dos voces que se mueven en sentido contrario: Si una sube, la otra baja, discantus
. 2.DISCANTUS o discanto. (siglo XI).-Es una polifonía a dos voces que se mueven en sentido contrario: Si una sube, la otra baja, discantus
Basado también en un canto llano o tenor y caracterizado por el movimiento contrario entre las voces y el intercambio de consonancias, diferenciándose, por tanto, del organum paralelo o diafonía. La palabra deriva del término discantus supra librum (discanto "más allá del libro"), y es una forma de canto gregoriano en la que sólo la melodía está anotada, acompañada, pues, de voces improvisadas. El discanto constituye el origen del contrapunto.
El discantus rompe el paralelismo de tal manera que las nuevas voces realizan movimientos contrarios a la voz principal (tenor). El discantus sólo es posible en obras a dos voces (tenor y discantus); pero se encuentran obras a 3 ó a 4 voces, en las que una de ellas discanta y la otra u otras voces van en paralelismo organal con el tenor. A partir del s. XII se empezó a denominar discantus a esta técnica.
ARS ANTIQUA
Literalmente significa arte antiguo, y es el término que se emplea para referirse a la forma de componer música durante los siglos XII-XIII y hasta inicios del siglo XIV, que será conocido como Ars Nova.
FUENTES: Códice de Turín
Códice de Montpellier
Códice de las Huelgas.
ESCUELAS: San Marcial de Limoge y Notre Dame.
Sabemos que el organum se practicaba de forma improvisada en las iglesias y catedrales durante los siglos X al XIII y evoluciona a lo largo del tiempo. Es entonces cuando comienzan a aparecer las diferentes escuelas musicales: San Marcial de Limoges y Notre Dame.
A) San Marcial de Limoges (1100-1170).
Durante el siglo XII se desarrolla una importante escuela polifónica en Aquitania (sur de Francia),que tiene en el monasterio de San Marcial, en la región de Langue d’oc (sur del Loira), su foco de irradiación; justo en la misma zona en la que, por las mismas fechas, se está desarrollando el arte de los Trovadores.
Este monasterio es un importante foco de desarrollo musical y sus influencias llegarán hasta la Península Ibérica por medio de los caminos de peregrinación a Santiago de Compostela, de hecho, el Codex Calixtinus recoge leyendas atribuidas a Santiago y repertorio musical para los ritos religiosos en la Catedral de Santiago, cuyo estilo polifónico es similar al de San Marcial de Limoges. Contiene 21 piezas polifónicas y el primer ejemplo de polifonía a 3 voces.
En San Marcial se desarrolla:
- El tercer tipo de organum, organum melismático, también denominado organum florido, caracterizado por:
. El pleno contraste rítmico entre las dos voces.
. Una vox organalis, más aguda, con muchas notas, contra sólo una de la vox principalis, que tiene cada vez una duración mayor, de ahí que se le empiece a denominar tenor (del latín,tenere, que significa sostener), de origen gregoriano, dado que esta voz sostenía el desarrollo de la voz organalis, que comenzará a llamarse duplum.
Además, nos encontramos con el:
- Discanto desarrollado. Similar al discanto del organum libre, pero con mayor libertad en ambas voces, presentando una técnica de «neuma contra neuma» en lugar de «nota contra nota».
- - Versus. Esta composición polifónica aquitana aparece también en la escuela de St. Marcial de Limoges. Es casi sinónimo de Conductus; son canciones religiosas latinas en forma de organum libre improvisadas sobre la liturgia en los días festivos importantes.
- - Secuencia. Surge en el siglo IX en el en los monasterios de Saint Gall (Suiza) y San Marcial de Limoges (Francia), a partir del estilo coral gregoriano. En los códices medievales, secuencia suele aparecer abreviada como se, seq y Sce a la que sigue el nombre de la secuencia. Alcanzó su forma definitiva como pieza independiente en el siglo XII.
En la Edad Media, la secuencia era un melisma añadido al final del Aleluya gregoriano, y se aplicaba esta secuencia o sequentiae:
- 1) Inicialmente a melismas, sin texto, añadidos en la a final del Aleluya de la misa del rito romano antiguo. Solo contenían música, su estructura es similar a la de los himnos, eran de estilo silábico y cada frase, cuando existía, se repetía dos veces.
- 2) Poco después a melismas con texto en prosa añadido.
- 3) Más adelante incluso a los que contenían texto rimado.
Su creación se le atribuye a un monje de Sant Gall, Notker Balbulus (el tartamudo 840-912). Existieron muchas secuencias, pero tras el Concilio de Trento sólo se mantienen cinco: Victimae paschali laudes (en Pascua), Veni sancte spiritus (en Pentecostés), Lauda Sion (para el Corpus Chirsti), Dies Irae (para las misas de difuntos), y el Stabat Mater.
B) Notre Dame de París (1160-1225).
Nos referimos a la Escuela que tiene como centro París, y en especial, la catedral de Notre Dame (s.XII), considerada de los primeros ejemplos del Gótico en Europa, y la Universidad. Esta escuela es de gran importancia porque:
- De ella conocemos a los primeros músicos compositores de la Edad Media (Leonín y Perotín).
Anónimo
IV es el nombre por el que se conoce a
un estudiante inglés que
trabajó en la catedral de Notre Dame (s. XIII).
No se conoce nada de su vida, ni su nombre. Sus manuscritos se
conservaron a través de dos copias incompletas, una del siglo XIII y
la otra del XIV. Anónimo IV es famoso principalmente por haber dado
a conocer a dos de los principales compositores de la escuela de
Notre Dame: Leonín y Perotín.Perotín. Anónimo
IV, junto con los tratados de
Garlandia y Franco de Colonia (
anteriores a aquel), constituyen la fuente principal para conocer la
escuela de polifonía de
Notre
Dame.
- Comienzan a usarse esquemas rítmicos para diferenciar los valores de los sonidos.
La contribución de la Escuela de Notre-Dame con respecto al ritmo, consistió en reemplazar el flujo uniforme no medido de la polifonía (y del canto llano) anterior, por patrones recurrentes de notas largas y cortas. Los distintos patrones de estas notas se conocen como modos rítmicos y se identifican con lo que actualmente llamamos notación modal. Hasta ahora, el ritmo en la música era intuitivo, no existía un sistema para establecer el ritmo a seguir en las piezas cantadas, de forma que el único punto de referencia es el ritmo del texto (ritmo prosódico). En la Escuela de Notre-Dame comenzarán a aplicarse a la música los esquemas rítmicos de la métrica clásica griega, de forma que se diferencian dos valores básicos: largo (–) y breve (ﮞ), en el que el largo era el doble que el breve (San Agustín), de forma que la suma de ambos era tres. Hacia 1250 estos esquemas se codificaron en 6 patrones básicos (llamados modos, por Garlandia, y conocidos hoy como modos rítmicos) que por regla general se identificaban mediante un número, basados quizás sobre metros poéticos anteriores.
La notación modal: el número de notas de cada neuma era significativo en cuanto a la duración de esas notas: diferentes combinaciones daban lugar a diferentes tipos de ritmos, es decir, un mismo signo tenía distinta significación según el contexto en que aparecía.
Las diferentes combinaciones de la notación modal:
- Continúan el cultivo del Organum con novedades.
Los primeros compositores conocidos son compositores de Organum. Elaboraron composiciones polifónicas a partir de los cantos responsoriales del Oficio y la Misa a dos, tres y cuatro voces, compuestos en dos estilos de composición:
1.-Organum melismático o florido (propio del Ars Antiqua, s.XII-XIII), ya descrito en San Marcial de Limoges, donde se desarrolla (comienzos del siglo XII ) este tercer tipo de organum.
Ejemplo de Órganum melismático es Jubilemus exultemos, en el que, la voz
principal es un tenor en valores largos y la/las voces superiores, organal, están ordenadas según los modos rítmicos. Cada nota de la melodía litúrgica es tenida (tenor), mientras que la superior realiza largos melismas, abandonando la técnica de nota contra nota en favor del pleno contraste rítmico entre las dos voces. La voz inferior, al cumplir la función de soporte, pasó a llamarse "nota tenor".
2.-Cláusulas de Discanto: En secciones de algunos organa (plural de organum), el tenor se vuelve melismático y se organiza según un modo rítmico. Estas cláusulas a veces ocupan solamente una palabra.
- Son los inventores de dos nuevas formas compositivas: El Conductus y el Motete
- El Conductus (siglo XIII).-Es un paso más en la polifonía. La voz principal ya no se toma del gregoriano, sino que la crea el compositor, y sobre ella se realiza la polifonía. (un ejemplo: conductus) Es la primera composición polifónica totalmente original. en la que el tenor no es tomado de un canto llano preexistente sino que se trata de una melodía de composición nueva. Normalmente a 2 ó 3 voces y de estilo silábico aunque puede llevar secciones más melismáticas. Aparte de los ejemplos encontrados en los manuscritos de París, también se han encontrado conducti en el Codex Calixtinus de la catedral de Santiago de Compostela.
- El motete. Los compositores de Notre Dame crearon un nuevo género a principios del siglo XIII, al añadir nuevas palabras escritas en latín a las voces superiores de las cláusulas de discanto de los organa. La pieza resultante se llamó motete, del francés mot (palabra, en francés). Por tanto, el motete nace a partir de las partes del organum en la que todas las voces se mueven según modos rítmicos.
La mayoría de los primeros motetes eran a dos voces. El tenor es una melodía de origen gregoriano con texto en latín, pero la segunda voz (motetus) va a ser una melodía de nueva creación, con texto propio en francés (también nuevo), de carácter amoroso o satírico. De forma que cada vez va a ser una pieza más difícil de entender dada la mezcla de melodías y de idiomas, además que a medida que pase el tiempo, se añadirán nuevas voces, de forma que aparecerá el motete a tres voces (motete doble), y el motete a cuatro voces (motete triple).
La denominación de las voces de un motete triple sería:
- Triplum: Segunda voz añadida.
- Motetus: Primera voz añadida.
- Tenor: Voz gregoriana.
Motete conductus, todas las voces cantan el mismo texto.
Motete politextual, cuando cada voz tiene un texto diferente. Siendo esta última una característica esencial del motete del S. XIII y hasta el Renacimiento.
Las limitaciones de la notación modal (modos rítmicos), impidieron su uso en los motetes, pasando a la notación mensural de Franco de Colina.
NOTACIÓN FRANCONIANA La invención de una notación musical posibilitó escribir la música en una forma definitiva que podía aprenderse de la partitura. Franco de Colonia en su Ars cantus mensurabilis (Arte de la música mensurable) hacia 1260, estableció un sistema en el que diferencia cuatro notas individuales, en las que existía un sistema de equivalencias: Cada una dura el doble que la anterior, aunque es aproximado. Había 4 signos para indicar la duración de los sonidos, cada una dura el doble de la anterior. El valor más largo lo tenía la dúplex
longa y
el valor más corto la semibreve.
No obstante, también era posible realizar subdivisiones binarias y
ternarias. Ello quiere decir, que por ejemplo, la breve
se
podía subdividir en dos o tres semibreves.
Compositores de Ars Antiqua
Leonin. Se le atribuye haber compuesto el Magnus Liber Organa. Se trata de organa a dos voces sobre las partes solísticas de los cantos reponsoriales de la Misa y el Oficio. Destaca el organum duplum sobre el gradual, Viderunt Omnes. Técnicas para la construcción de sus organa: a)Organum florido, claúsulas de discantus y la combinación de ambos estilos anteriores, siendo ésta una característica de la Escuela de Notre Dame.
Sigue utilizando la alternancia de canto llano al unísono con secciones polifónicas pero con una mayor precisión rítmica, introduciendo los modos rítmicos en sus composiciones.
Pérotin.- Su estilo es algo más evolucionado, centrándose en la búsqueda de una mayor perfección y exactitud rítmica. Sus organa son a tres y cuatro voces. De Pérotin destacan dos Organum Cuadruplum:
- Sederunt Principes, compuesto hacia el s.XIII, es –junto con el organum Viderunt omnes–
una de las obras a cuatro voces más antigua conservada en
partitura. Es
una de las piezas más antiguas en hacer un uso consistente de la
notación modal, el primero de los sistemas de notación rítmica
desarrollados en Occidente durante la Edad Media.
- Viderunt omnes
ARS NOVA
El S. XIV fue época de cambios en el que va a crecer la independencia entre lo religioso y lo profano. Comienza una época de crisis provocada por distintas causas: malas cosechas; la peste negra, varios frentes bélicos como la Guerra de los Cien años; las Cruzadas…
Ars Nova literalmente significa Arte Nuevo, y recibe este nombre del tratado (Ars Nova ) del poeta y compositor francés, Philippe de Vitry, y que dio nombre a la música del siglo XIV. Esto demuestra que los músicos de este momento son conscientes de que lo que están haciendo es completamente nuevo respecto a lo que ya existía (Ars Antiqua).
CÓDICES DEL ARS NOVA:
-El Libre Vermell de Montserrat, es el principal códice que se ha conservado de este periodo, llamado así por el color rojo de su encuadernación.
- Códice de las Huelgas (hacia 1325)
TEÓRICOS DEL ARS NOVA:
- Innovadores.
El reconocimiento de la innovación de la música de principios del siglo XIV se produjo a través de dos tratados:
· Ars Nova Musicae (1319) de Johannes de Muris. Su producción se considera más importante y distinguida que la de Vitry. Aunque fue reconocido como uno de los mejores poetas y músicos de su época, apenas se conservan obras suyas.
· Ars Nova (ca1320) es el nombre del manuscrito escrito por Philippe de Vitry, donde aparece la Mínima, que representa a una Blanca en la notación actual. Al poco tiempo, se conoció un símbolo más: la Semimínima (Negra, actual). Vitry proporcionó ideas que aplicaron sus discípulos, entre las cuales destacaron la institucionalización del ritmo binario y el uso de valores semibreves en lugar de breves. Nunca hasta entonces se había dispuesto de la libertad rítmica que proporcionó de Vitry.
-Tradicionales. En el bando opuesto:
- El teórico flamenco Jacobus de Lieja defendió, en su Speculum musicae (El Espejo de la Música, ca. 1330), el “arte antiguo” contra las innovaciones de los modernos.
- El papa Juan XXII, tras desterrar la polifonía de la liturgia en 1322, advirtió en su Bula Docta Sanctorum Patrum (1324) contra las características consideradas nocivas de esta innovación musical.
PRINCIPALES NOVEDADES DEL ARS NOVA
- Aparición de los compases para medir la
música.
-Una de las grandes novedades del Ars
Nova fue la aparición de una nueva figura: la mínima y su relación con las
figuras anteriores que va a dar lugar al sistema actual de compases.
La relación
entre las figuras da lugar a:
Modo: Relación de la longa con la breve
Tiempo: Relación entre la breve y la semibreve
Prolación: Relación entre la
semibreve y la mínima.
Vitry
creó unos símbolos para identificar el tipo de tiempo y prolación.
- Un circulo con un punto en medio al principio de la partitura indicaba un tiempo perfecto y prolación perfecta.
- Un circulo sin punto, la prolación era imperfecta.
- Si el semicirculo tenía el punto, la prolación era perfecta pero el tiempo era imperfecto .
- Si el semicirculo no había punto, tiempo y prolación eran imperfectos.
En Ars Nova, Vitry proponía un nuevo sistema de notación basado en figuras, donde cada figura correspondiera a una altura distinta: longas, breves, semibreves y mínimas, cada una de las cuales tenía menos valor que la anterior.
Vitry estableció dos tipos de relación entre cada nota y su inferior y a estas relaciones las llamó modo, tiempo y prolación, que podían ser perfectos o imperfectos:
- Si una longa equivalía a tres breves, el modo era perfecto y si equivalía a dos, era imperfecto.
-Si una breve equivalía a tres semibreves, el tiempo era perfecto y si equivalía a dos, era imperfecto
- Si una semibreve equivalía a tres mínimas, la prolación era perfecta, y si equivalía a dos, era imperfecta.
* Una consecuencia de los avances en notación es que la música, en general, se complica: aparecen las síncopas, los ritmos desajustados y la polirritmia.
Con Vitry se consolidan los
compases binarios en igualdad con los ternarios
- La aparición
de formas profanas nuevas
- La aparición del motete isorrítmico.
NOTACIÓN
Durante el siglo XIV
predominaron dos tipos de notación:
. La italiana, que
llegó hasta 1430
. La francesa. Sobre
esta son los textos de Philippe de Vitry los que aportan mayor
información. En la notación del Ars
Nova (francés) surgieron signos mensurales como tipos de indicadores de compás
para precisar las relaciones entre los valores de las notas
LAS FORMAS MUSICALES:
Motete isorrítmico.
Aparece el motete isorrítmico ( de carácter amoroso, político,
social o religioso), pieza que se organiza según patrones
rítmicos y/o melódicos en la voz del tenor.
El tenor continúa
extrayéndose con frecuencia del gregoriano, aunque organizado según estos
patrones rítmicos. Las voces del motete son el tenor, el duplum (altus), el
triplum (superius, con valores más altos) y el contratenor (complementa al
tenor y también se combina con éste).
La isorritmia fue
el principal recurso unificador en los motetes de Vitry, aunque él no fue el
inventor. Estos motetes podían ser a tres o cuatro voces.
Misa
Destacan cinco
misas: Misa de la Soborna, Misa de Barcelona, Misa de Turnae, Misa de Toulouse
y Misa de Machaut. Pueden estar escritas en estilo motete (Kyries y Agnus Dei),
en estilo canción o en estilo simultáneo (Glorias y Credos) fundamentalmente
homofónico.
Otros géneros
- El madrigal. Se escriben a dos voces, sobre poemas idílicos,
pastoriles, amatorios o satíricos cuyas estrofas tienen de dos a tres versos,
llevando todas las estrofas la misma música. Al final de las estrofas hay un
par de líneas adicionales denominadas ritornello, con métrica diferente y sobre
las que se compone una música distinta.
- La ballata. Floreció a partir de 1365 como acompañamiento de la danza,
asemejándose en su forma al virelai francés.
- La caccia. Una voz que
caza a otra en un canon musical (imitación), antepasado de la fuga. Floreció entre 1340 y 1370, siendo para dos
voces. También tenía una parte instrumental de apoyo, libre, en un movimiento
que transcurría más lentamente por debajo de ambas voces. En su texto se alude
a descripciones de cacerías, partidas de pesca, mercados, gritos, cantos de
pájaros… También expresa llamadas de trompas, exclamaciones, diálogos, efectos
de eco.
* EL ARS
SUBTILIOR
- Término acuñado por la musicóloga Úrsula Günther en 1960
para evitar las connotaciones negativas de los términos estilo
manierista y notación amanerada.
- Se trata del estilo de música vocal francesa de finales
del siglo XIV, ubicado principalmente en la ciudad de Aviñón, durante
el Gran Cisma de Occidente (1378-1417).
- Compositores
posteriores a Machaut desarrollaron este sofisticado y complejo estilo musical
que recurrió a los nuevos valores de nota introducidos en el periodo del Ars
Nova para la creación de esquemas rítmicos complejos. Sus técnicas fueron
usadas durante el Renacimiento.
- Se
trata de canciones seculares con temática amorosa, bélica, de caballería, de
la antigüedad clásica o para alabar a figuras públicas, siendo obras refinadas,
complejas, difíciles de cantar y probablemente creadas, cantadas y disfrutadas
por un público reducido de especialistas.
- Una peculiaridad
consistía en el uso de notas rojas, o coloración, donde las notas
rojas indicaban una alteración de los valores de las notas de un tercio.
- Los
propios manuscritos de las obras del ars subtilior a veces presentaban
formas inusuales y expresivas, como una forma de música visual.
EL ARS
NOVA POR PAÍSES
- En Francia se produjo, con Notre Dame y la Universidad de
París a la cabeza, una importante evolución en el sistema musical y en la
notación mensural. La música profana con sus formas
fijas (balade, rondó y virelai) alcanzó gran importancia, destacando
compositores como Guillaume de Machaut (ca. 1300-1377) y Jehan de Lescurel.
Guillaume de
Machaut (1300-1377), compositor tanto de piezas profanas como religiosas. Fue
un religioso muy activo, alegre y mundano, poeta y compositor. Sobreviven un
gran número de sus composiciones en 7 manuscritos. Compuso la "Misa de
Notre Dame"a 4 voces, la primera misa compuesta por completo por un solo
compositor. Sólo se ha puesto música a los cantos de ordinario con estructura
de unidad (algo que a partir de este compositor se hará de forma común).
- En Italia,
los principales centros de música estaban en la parte central y septentrional
de la península, con Florencia a la cabeza, siendo sus
principales formas musicales el madrigal, la caccia y la ballata. Entre los
autores cabe mencionar a Francesco Landini (ca. 1325-1397) y Jacobo da
Bologna (ca. 1340-1386).
- Aunque se sabe
que en el siglo XIV hubo una actividad musical tan intensa como en el resto de
Europa, apenas se conservan testimonios escritos de Ars Nova en España.
En cuanto a la música de repertorio aragonés, ésta no difiere del francés y del
italiano y muchas de las obras son de autores conocidos procedentes de Avignon.
Vídeo: Canción sefardí con Ana Alcaide Pasacalles
Canción tradicional sefardí: Morena
ESQUEMA DE LA UNIDAD
DANZAS MEDIEVALES:
VÍDEO: danza medieval
danza medieval
Música andalusí: la morita
BIBLIOGRAFÍA: