EL ROMANTICISMO
Orgullo y prejuicio (ejemplo de un ambiente del romanticismo)
CONTEXTUALIZACIÓN
En los años finales del siglo XVIII tuvo
lugar una renovación de las ideas y de la vida en Europa producida por estos
dos hechos:
.
La Revolución francesa (1789), que, recogiendo
las ideas de la Ilustración, declaró la igualdad de todos los ciudadanos ante
la Ley y la supresión de la monarquía absoluta.
.
El Imperio napoleónico.
A pesar
de que fuera de Francia las monarquías absolutas europeas se resistieron al cambio, la aristocracia fue perdiendo sus privilegios y acabaron triunfando la
libertad y el individualismo, con lo que se dio paso a un mundo en el que se impusieron los ideales de
la burguesía.
Paralelamente al triunfo del liberalismo político en
Europa, el NACIONALISMO logró en la segunda mitad del siglo XIX, importantes
éxitos con la unificación de Italia y de Alemania, países cuyos territorios
pertenecían a diversos Estados.
ASPECTOS CULTURALES
El axioma del romanticismo es el sentimiento.
- El Romanticismo surge en
Inglaterra y Alemania (Sturm und Drang, Tempestad y empuje, fue su antecedente) y desde ahí se
expande por Europa y América, este nuevo estilo supone una ruptura con el
anterior, el neoclasicismo.
- El individualismo, la
expresión de los sentimientos y la libertad creadora, características
principales del movimiento romántico, se reflejan en las artes:
- En Literatura surgió el interés por el pasado
medieval, las tradiciones, el folklore, el relato histórico,...
- En pintura predominó el interés por la
Naturaleza y el paisaje.
VÍDEO: Película Orgullo y prejuicio: Escena del baile
" " " Declaración de amor
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO
- La burguesía cambió el papel
social de la música. El músico se convirtió en un “profesional” de su arte, con
libertad absoluta para poner precio a su trabajo.
- Se produce una Democratización de la música gracias a los conciertos públicos, puesto que para disfrutar del concierto hay que pagar una entrada, surgiendo un nuevo público más variado. De esta manera, la música clásica deja de ser patrimonio exclusivo de la nobleza y de la
Iglesia. Por otra parte, la música no solo se hace en los salones de la nobleza, sino también en los de la burguesía adinerada,
donde el PIANO es el instrumento rey. A todo debemos unir una una nueva mentalidad, que valora la música como la más romántica de las artes, y que explicaría ese cambio tan importante en la consideración social de los compositores, que acabaron convirtiéndose en ídolos de los salones de la burguesía, junto con los virtuosos del piano (Liszt) y del violín (Paganini).
- El perfeccionamiento técnico de los instrumentos de viento y su elaboración en serie.
- Mejoras en el piano.
-Aparición de los grandes recursos expresivos de la música: rubato, accelerando, ralentando,...
-Aparición de los grandes recursos expresivos de la música: rubato, accelerando, ralentando,...
- Uso de toques nuevos con los instrumentos, como el llamado piano orquesta ( se consigue imitar los sonidos de la orquesta con el piano), iniciado por Liszt en la transcripción para piano de la Sinfonía fantástica de Berlioz). Liszt descubre que en el piano se pueden lograr todos los timbres de la orquesta.
- Se logran nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a la incorporación de nuevos instrumentos, a las mejoras técnicas que se producen en otros y a un mayor empleo del viento y la percusión. Esto tiene como consecuencia la consolidación de la orquesta sinfónica.
- La forma más característica de la música vocal del romanticismo es el LIED (Widmund, Shumann). Se trata de una canción para una sola voz, acompañada al piano, cuya letra se basa en un texto poético de gran calidad. El maestro de este género fue Schubert.
.Aparece la suite de números independientes. No es una suite a la barroca (era una sucesión de danzas), ya que las piezas se pueden interpretar de manera independiente como sucede con las obras de Schumann Papillon y Juegos de niños.
COMPOSITORES DEL ROMANTICISMO:
Verdi: Marcha triunfal, de la ópera Aida
3ª Etapa: El VERISMO, representado por PUCCINI.
- Se logran nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a la incorporación de nuevos instrumentos, a las mejoras técnicas que se producen en otros y a un mayor empleo del viento y la percusión. Esto tiene como consecuencia la consolidación de la orquesta sinfónica.
- La emoción musical, reprimida
por las normas del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música
fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos (amor, odio, ira,
nostalgia, tristeza, desesperación …). Importa la inspiración y la fuerza expresiva.
- Estilo melódico. La melodía es apasionada e intensa.
VÍDEO: conciero nº1 para piano y orquesta, Tchaikovski
- Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un ambiente de mayor expresividad.
. Con Wagner la composición alcanza sus últimas consecuencias. Empleará cromatismos y prácticamente asistimos a la disolución tonal. En su ópera Tristán e Isolda el acorde de "la" solo aparece una vez.
Para Schomberg, la raíz del dodecafonismo está en Bramhs.
- Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un ambiente de mayor expresividad.
. Con Wagner la composición alcanza sus últimas consecuencias. Empleará cromatismos y prácticamente asistimos a la disolución tonal. En su ópera Tristán e Isolda el acorde de "la" solo aparece una vez.
Para Schomberg, la raíz del dodecafonismo está en Bramhs.
- Predominio de la música
instrumental sobre la vocal. No obstante, la ópera seguirá teniendo una gran
importancia con grandes compositores como VERDI o WAGNER, y el lied conocerá un gran desarrollo en Alemania.
- La forma más característica de la música vocal del romanticismo es el LIED (Widmund, Shumann). Se trata de una canción para una sola voz, acompañada al piano, cuya letra se basa en un texto poético de gran calidad. El maestro de este género fue Schubert.
- La intensidad se adapta a
los sentimientos del artista, de ahí sus cambios inesperados.
. El ritmo está a merced de
los sentimientos que expresa el músico, por lo que abandona su regularidad.
- Preferencia por piezas cortas
(son más íntimas) como el:
PRELUDIO
ESTUDIO Estudio, op10,n3, Chopin),
NOCTURNO (Nocturno n9,Chopin)…
Aunque es en este período cuando se desarrollaron al máximo la sinfonía y el concierto.
.Aparece la suite de números independientes. No es una suite a la barroca (era una sucesión de danzas), ya que las piezas se pueden interpretar de manera independiente como sucede con las obras de Schumann Papillon y Juegos de niños.
- Aparición del VIRTUOSO en ese deseo de destacar la propia
personalidad ante los demás.
- Los instrumentos preferidos
son el VIOLÍN y el PIANO. La técnica de construcción del piano se perfecciona y su aprendizaje se populariza entre la burguesía.
Liszt introduce el piano percusión en su obra Danza macabra; Bartck continuará con este piano percusión.
Liszt introduce el piano percusión en su obra Danza macabra; Bartck continuará con este piano percusión.
- Muchos compositores se inspiran en el folklore de su propio país o de otro país para componer sus
obras, lo que llevará a la aparición del NACIONALISMO MUSICAL( (polonesa Heroica, Chopin)
. En los salones de los burgueses la danza tuvo un especial interés, como había sucedido tiempo atrás entre la nobleza.
En cuanto al tipo de bailes, se seguían bailando piezas dieciochescas, como los minués, las mazurkas, las contradanzas, pero junto a ellas surgieron nuevos bailes como el galop, la redova, el vals (escena de un vals, película la reina Victoria vals).
El vals, tan de moda durante el Romanticismo, al necesitar de un contacto físico mayor que el resto de los bailes burgueses y populares, en los que apenas se producía ningún roce , era visto como un baile muy atrevido e incluso salvaje.
En cuanto al tipo de bailes, se seguían bailando piezas dieciochescas, como los minués, las mazurkas, las contradanzas, pero junto a ellas surgieron nuevos bailes como el galop, la redova, el vals (escena de un vals, película la reina Victoria vals).
El vals, tan de moda durante el Romanticismo, al necesitar de un contacto físico mayor que el resto de los bailes burgueses y populares, en los que apenas se producía ningún roce , era visto como un baile muy atrevido e incluso salvaje.
. EL PRIMER ROMÁNTICO: BEETHOVEN (1770-1827).
Ludwig van Beethoven nació en
Bonn, Alemania. No tuvo un hogar familiar acogedor. A los catorce años fue
nombrado organista en la corte del Elector de Colonia. En 1787 fue enviado a
Viena para que estudiase con Mozart, pero una enfermedad de su madre lo obligó
a regresar a su ciudad natal. Su inquietud cultural lo convirtió en un ávido
lector y llegó a matricularse en la Universidad.
En 1792 vuelve a viajar a
Viena, siendo alumno de Salieri y Haydn, entre otros. Su experiencia como
pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa, entre la que adquirió
prestigio.
Cuando tenía 26 años advirtió
los primeros síntomas de sordera, que fue aumentando progresivamente, lo que lo
llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y a tener un
carácter “difícil”.
Influenciado políticamente por
las ideas de la Revolución Francesa, se consideraba republicano y demócrata. En
1827 muere rodeado de fama y admirado en todo el mundo.
Aportaciones y trascendencia
de la obra de Beethoven.-
. Es un músico que comienza a
componer al estilo Clásico y hace evolucionar la música hasta el romanticismo;
es más, todos los compositores posteriores recibirán su influencia.
. Da relevancia a la música,
que se convierte en el mejor lenguaje del hombre romántico.
. Es el prototipo del genio
romántico, ejerciendo influencia no sólo sobre los músicos, sino sobre pintores
y literatos.
. Liberó al músico de trabajar por encargo (al servicio de) puesto que él se considera un artista libre.
El artista beethoviano, ya no escribe lo que su público espera de él, sino lo
que él quiere imponer a su público.
Desde Beethoven el
componer no consiste, como ocurría en el
Clasicismo, en seguir unas normas que se imponen al artista, sino, por el
contrario, consiste en expresar los propios sentimientos (Claro de luna, Beethoven) e ideas que uno tiene
del mundo.
.Lleva a la cumbre la SINFONÍA
(escribe nueve), y, al mismo tiempo, hace que esta forma signifique para el
pensamiento romántico el culmen de la expresión musical:
Dentro de su producción musical podemos distinguir tres períodos:
1ª.-Sus composiciones están
muy influenciadas por el Clasicismo, aunque ya se aprecian formas románticas,
como, por ejemplo, en su sonata Patética (Patética).
2ª.- Aparecen signos
claramente románticos, como la preocupación por el color tímbrico, como ocurre en la Sinfonía Pastoral (Pastoral).
Este periodo se inicia con su tercera Sinfonía Heroica (en un principio dedicada a Bonaparte) que muchos consideran que es el primer florecimiento del Romanticismo alemán, por estar rompiendo las viejas disciplinas de la composición, pues, por una parte, en ella se aprecia un alejamiento de los esquemas de Haydn, especialmente en cuanto a su duración de casi una hora, y por otra por la intensidad expresiva que Beethoven logra con su música.
De este periodo también es su 5ª Sinfonía (La del Destino, *Introducción a la Sinfonía número 5 de Beethoven), los Conciertos 4º y 5º, Emperador, (3º mov. Concierto Emperador, Beethoven) para piano, su ópera Fidelio, el Concierto para violín, la Fantasía Coral,...
Este periodo se inicia con su tercera Sinfonía Heroica (en un principio dedicada a Bonaparte) que muchos consideran que es el primer florecimiento del Romanticismo alemán, por estar rompiendo las viejas disciplinas de la composición, pues, por una parte, en ella se aprecia un alejamiento de los esquemas de Haydn, especialmente en cuanto a su duración de casi una hora, y por otra por la intensidad expresiva que Beethoven logra con su música.
De este periodo también es su 5ª Sinfonía (La del Destino, *Introducción a la Sinfonía número 5 de Beethoven), los Conciertos 4º y 5º, Emperador, (3º mov. Concierto Emperador, Beethoven) para piano, su ópera Fidelio, el Concierto para violín, la Fantasía Coral,...
3ª.-En esta etapa Beethoven
es plenamente romántico, hasta el punto de aportar novedades a la sinfonía
como ocurre en la Novena, *9ª Sinfonía de Beethoven, una explicación, en la que en su cuarto movimiento introdujo la voz
humana cantando la Oda a la alegría, de Schiller, que es un canto de amor a
la Humanidad, un grito de fraternidad.
A este periodo pertenece también la Misa Solemne, la 8ª Sinfonía( considerada la música más alegre compuesta por Beethoven), la Gran Fuga, los últimos cuartetos para cuerda,...
VÍDEO: La IX explicada por Jaime Altozano
IV mov. de la Sinfonía Coral, la Novena
A este periodo pertenece también la Misa Solemne, la 8ª Sinfonía( considerada la música más alegre compuesta por Beethoven), la Gran Fuga, los últimos cuartetos para cuerda,...
VÍDEO: La IX explicada por Jaime Altozano
IV mov. de la Sinfonía Coral, la Novena
Novena sinfonía
COMPOSITORES DEL ROMANTICISMO:
-CHOPIN (1810-1849).- Nació en Polonia. Casi toda su obra está escrita
para piano. Poseía una gran técnica pianística y sus composiciones son de una
gran sensibilidad e intimismo. En ocasiones se inspiró en el folklore de su
país, ej:”polonesas” (Polonesa Heroica"). Escribió nocturnos Nocturno, Op9, nº2, Nocturno OP10,nº3 Tristeza), valses (Vals 69,nº1, vals del minuto), Estudios (Estudio Op25,nº9)...
- LISZT (1811-1886).-Compositor húngaro, virtuoso del piano, al que
dedicó gran parte de su obra. Sus composiciones son brillantes y
espectaculares, como ocurre con su famosa Rapsodia húngara, No.22 o con la Campanella. Más intimista se muestra en su famoso Sueño de amor para piano.
- SCHUMANN (1810-1856).- Nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario
romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra
pianística la realizó para su esposa CLARA, la pianista más famosa del
momento.
VÍDEO: Arabesque
VÍDEO: Arabesque
Sus obras más importantes son
las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como Álbum de la
juventud. Escribió numerosos lieder entre ellos su ciclo Amor de poeta.
VÍDEO: lieder: Widmung Op25,nº1
VÍDEO: lieder: Widmung Op25,nº1
Victoria de los Ángeles: An die musik
Schumann: Traumerei
Schumann: Traumerei
-SCHUBERT (1797-1828).-Fue el verdadero creador del lied romántico. Su
obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos, el lirismo y la
exaltación del folklore alemán. Puso música a textos de los poetas Schiller y
Goethe, entre otros. Sus temas predilectos fueron el amor, la muerte y la Naturaleza.
Compuso más de 600 lieder agrupados en colecciones, como La bella molinera.
VÍDEO: Serenade por piano y violín,
VÍDEO: Serenade por piano y violín,
.........................................NOTICIA CURIOSA:
La compañía tecnológica china HUAWEI presentó ayer (05/02/2019) en la sala Cadogan Hall de Londres una versión completa de la Sinfonía Inacabada ( en si menor, D759)de Franz Schubert (Viena 1797-1828) compuesta a partir de un algoritmo de inteligencia artificial que ha utilizado la potencia de uno de los teléfonos móviles de la firma. El software analizó el timbre, el tono y otras características de los dos primeros movimientos de la Sinfonía. A partir de esta información, el programa generó una melodía para los dos últimos movimientos no compuestos por el músico.
Posteriormente, el músico y productor Lucas Cantor daría los retoques finales a la pieza para obtener una partitura fiel al estilo de la obra original que, además, pudiera ser interpretada por una orquesta sinfónica.
Por su parte, el directivo de Huawei en Europa, Walter Ji, sostuvo que el objetivo de este trabajo es ampliar los horizontes de lo que es humanamente posible y comprobar el impacto positivo que la tecnología puede tener en la cultura moderna.
Nuevos movimientos de La Incompleta
Como ocurre con propuestas de esta índole, donde las nuevas tecnologías suplantan parcial o totalmente al ser humano, numerosas voces se han alzado en contra de "terminar" la obra de Schubert, alegando que la melodía creada por el programa carece de "alma" y es, simplemente, un algoritmo.
Habrá que esperar la reacción del público. Aunque las nuevas tecnologías avanzan y se implantan con una gran rapidez, en lo referente a las disciplinas artísticas hay cierta reticencia...Recordemos que en España, por poner un ejemplo, el ebook no ha calado entre el público todo lo que se esperaba. El libro tradicional (con ese olor maravilloso que despide recién comprado) sigue contando con miles de adeptos. Quizás ocurra algo similar con estas propuestas para la música.
¿Recuerdan el "caso" de YUMI, el director de orquesta, del que les hablé no hace tanto tiempo?
El pasado mes de septiembre (13/09/2017) el robot humanoide YUMI fue una de las estrellas de la primera edición del Festival Internacional de Robótica que se celebró en la ciudad italiana de Pisa. YUMI acompañó a la Orquesta Filarmónica de Lucca siguiendo exactamente los movimientos del director Andrea Colombini.
Posteriormente, el músico y productor Lucas Cantor daría los retoques finales a la pieza para obtener una partitura fiel al estilo de la obra original que, además, pudiera ser interpretada por una orquesta sinfónica.
Por su parte, el directivo de Huawei en Europa, Walter Ji, sostuvo que el objetivo de este trabajo es ampliar los horizontes de lo que es humanamente posible y comprobar el impacto positivo que la tecnología puede tener en la cultura moderna.
Nuevos movimientos de La Incompleta
Como ocurre con propuestas de esta índole, donde las nuevas tecnologías suplantan parcial o totalmente al ser humano, numerosas voces se han alzado en contra de "terminar" la obra de Schubert, alegando que la melodía creada por el programa carece de "alma" y es, simplemente, un algoritmo.
Habrá que esperar la reacción del público. Aunque las nuevas tecnologías avanzan y se implantan con una gran rapidez, en lo referente a las disciplinas artísticas hay cierta reticencia...Recordemos que en España, por poner un ejemplo, el ebook no ha calado entre el público todo lo que se esperaba. El libro tradicional (con ese olor maravilloso que despide recién comprado) sigue contando con miles de adeptos. Quizás ocurra algo similar con estas propuestas para la música.
¿Recuerdan el "caso" de YUMI, el director de orquesta, del que les hablé no hace tanto tiempo?
El pasado mes de septiembre (13/09/2017) el robot humanoide YUMI fue una de las estrellas de la primera edición del Festival Internacional de Robótica que se celebró en la ciudad italiana de Pisa. YUMI acompañó a la Orquesta Filarmónica de Lucca siguiendo exactamente los movimientos del director Andrea Colombini.
..................................................
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BRAHMS (1833-1897).- compuso más de 300 lieder
influenciado por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter
popular.
VÍDEO: Brahms, Op 118
LA ÓPERA
LA ÓPERA ROMÁNTICA ALEMANA
R. WAGNER
(1813-1883)
Wagner nació e Leipzig, Alemania y, desde los
14 años, estudió filosofía, armonía y contrapunto. Fue maestro de canto y
director de orquesta.
Vivió en Londres y en París. En 1864 se
instaló en Munich, donde se dedicó a la composición, bajo la protección de Luis
II de Baviera, quién aportó su propio dinero para que se construyera la sala de
ópera de Bayreuth, según los ideales del drama wagneriano. El teatro se
inauguró con el estreno de la ópera de Wagner “El anillo del Nibelungo” (es una
tetralogía)
Características de las óperas de Wagner:
. Intento de crear una obra de arte total: unión de la poesía,
la música, decoración, acción.
.Uso del alemán.
. Temas basados en los mitos y leyendas alemanas,
lo que es muy importante, dado que es en esta época cuando comienza el
sentimiento de nacionalidad alemana.
. Empleo de una gran orquesta.
. Creación del leit-motiv: motivo musical que
caracteriza a los principales personajes de la ópera y los anuncia y describe.
Óperas de Wagner: Lohengrin, Tristán e Isolda, Los maestros cantores de
Nuremberg, Tanhäuser (trata
las leyendas del Medievo medieval y el tema del Amor).
LA ÓPERA ROMÁNTICA ITALIANA
La ópera romántica
sirvió para expresar las ideas de unidad, libertad y patriotismo por las que
luchó Italia durante el siglo XIX.
Características más importantes de la ópera
italiana:
- Lo VOCAL tiene más importancia que los aspectos
orquestales. Importancia de la técnica del bel canto.
- En ciertos momentos de la ópera, en el aria, lo que interesa
es el lucimiento de las cualidades vocales del cantante solista. por medio del bel canto.
- Creación
de bellas melodías para el lucimiento del cantante solista.+
Se distinguen tres etapas:
1ª Etapa: ROSSINI fue el músico que encarnó el tránsito
entre la ópera del siglo XVIII y la ópera romántica.
Rossini: Obertura de la ópera Guillermo Tell
2ª Etapa: Representada por G. VERDI (1813-1901) será el gran genio de la ópera italiana.
Verdi: Brindis de la ópera La traviata
Rossini: Obertura de la ópera Guillermo Tell
2ª Etapa: Representada por G. VERDI (1813-1901) será el gran genio de la ópera italiana.
Verdi: Brindis de la ópera La traviata
Verdi: Marcha triunfal, de la ópera Aida
3ª Etapa: El VERISMO, representado por PUCCINI.
El Verismo es la corriente operística que se inspiró en el Realismo literario francés. Se representan las situaciones más crudas de la vida: la enfermedad, la traición, la muerte, la pobreza...
LA ÓPERA ROMÁNTICA FRANCESA: LA GRAND OPERA
EL NACIONALISMO MUSICAL
Es hacia la mitad de siglo XIX cuando aparece el movimiento Nacionalista. Una de las proclamas del romanticismo fue la libertad sin límites y, en este sentido, el
Nacionalismo es hijo del Romanticismo:
- En lo político: libertad de las naciones a elegir su propio destino. El idioma, el medio físico-geográfico, el recuerdo colectivo de hechos y/o sufrimientos
comunes y la voluntad consciente del pueblo de aspirar a vivir conjuntamente son factores que están en las raíces
del nacionalismo político.
- En lo artístico: libertad de los individuos para elegir las estéticas que mejor sintonicen con sus
propias preferencias. El siglo XIX reacciona contra la unidad de ideas y estilos dictada por el neoclasicismo
francés durante el siglo XVIII a la que cada pueblo opone la reafirmación y estima de sus propios valores
nacionales. Las tradiciones nacionales, regionales e incluso locales, las leyendas, el folklore, etc. se convierten en la cantera de la que el artista extraerá los elementos primarios de su
arte. Ese ensalzar los valores culturales autóctonos de cada país se da con mayor fuerza en países que carecían de una tradición
musical propia y que habían permanecido, en mayor o menor medida, ajenos a la
evolución de la música occidental de los siglos XVII y XVIII. Por lo tanto, pretenden
afirmar su personalidad musical frente a la música francesa, italiana y germana.
Podemos establecer dos grandes periodos:
- El primero coincide con los finales del siglo XIX y tiene características plenamente románticas. Durante el siglo XIX algunos compositores como Chopin, Liszt, Brahms… utilizan de forma consciente un lenguaje folclórico pero acoplado a la tradición musical existente. Sin embargo a partir de 1860, otros buscan deliberadamente la revalorización de su música nacional. Éste es al que se le conoce como Música nacionalista del siglo XIX.
- El segundo es el nacionalismo del siglo XX. Se mezclarán en
este siglo los elementos folklóricos con las nuevas tendencias de la época: Impresionismo,
Serialismo, música de jazz... Durante el siglo XX la etnomusicología permitió descubrir el carácter real de la música popular y, por otra parte, el fonógrafo permitió la transcripción mucho más exacta.
Este segundo periodo tendrá dos ramas: una que continuará el primer nacionalismo por razones de estética oficial (Rusia) y otra que tratará de renovar el lenguaje musical extrayendo los elementos renovadores de las esencias últimas de la música nacional (Falla en España y Bela Bartok en Hungría).
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA NACIONALISTA
- Búsqueda de la esencia popular a través del folklore, y la admisión de éste como
forma de expresión de las naciones.
- Implica un sentimiento de rebelión política, como en Centroeuropa o Rusia.
- Amor de los compositores por su patria y su lenguaje autóctono.
- Se desarrollará fundamentalmente en el terreno operístico, que permite aunar
argumentos patrióticos o alegorías políticas, con ritmos nacionales y cantos
populares. Aunque también alcanzará gran importancia en el terreno del poema
sinfónico.
- Recolección y publicación de canciones populares y cita ocasional de melodías
folklóricas en las composiciones, con un respeto por las particularidades modales que
caracterizan las melodías folklóricas.
- El recurrir al folklore lleva a estas músicas a lenguajes muy nuevos, dado que el
folklore se basa frecuentemente en escalas y armonías lejanas del mundo occidental,
como sucede en Rusia, o en historias y leyendas nuevas.
- Tiene una especial riqueza melódica.
NACIONALISMO RUSO
Después de la derrota de los franceses tras las Guerras Napoleónicas en 1813, Rusia
adopta una posición de autodeterminación y nacionalismo. En 1861 A. Rubinstein
funda el Conservatorio en San Petersburgo, institución potente y se construye también
un teatro donde se hace ópera rusa rivalizando así con la italiana que se representaba en
la corte. Las inquietudes culturales serán amplias durante la segunda mitad de siglo en
Rusia, destacando sobre todo la música.
Rasgos estilísticos de la música rusa:
- Las obras se estructuran por episodios o secciones.
- Economía de medios y gran vitalidad rítmica.
- Las melodías se mueven dentro de un ámbito estrecho y están construidas por la
repetición de uno o dos motivos rítmicos.
- La música nacionalista posee un claro rasgo modal.
- La ópera se convierte en el marco ideal, con unas características comunes muy
concretas:
- Argumentos basados en fuentes próximas al pueblo ruso.
- Preferencia por el realismo ruso y popular, antes que algo idealizado.
- Aparición del personaje colectivo: el pueblo ruso.
- Nueva prosodia musical: el recitativo ruso, adaptado al idioma ruso y a sus
inflexiones.
COMPOSITORES:
GLINKA. Precursor del nacionalismo ruso
Considerado el padre del nacionalismo ruso, ya que supo despertar el interés por el
canto popular autóctono. Destacar: el uso que hizo del folklore, la innovación de los
coros y la creación de un recitativo ruso.
Sus obras: La vida por el zar, Ruslan y Luzmila, ambas óperas sobre un poema de
Puskin.
EL GRUPO DE LOS CINCO
La actividad creadora de este grupo formado por: Balakirev, César Cui, Alexander
Borodin, Modest Mussorgsky, Rimski-Korsakov., se manifestó con fuerza hacia 1882.
El ideal común era el de crear una música genuinamente rusa, independiente de la
evolución artística europea y del ideal sinfónico alemán.
Van en contra del academicismo del Conservatorio de San Petersburgo y lo critican por
basarse en la tradición europea.
El grupo produjo un completo repertorio de óperas y poemas sinfónicos, basados
generalmente en temas rusos o melodías folklóricas eslavas. Los cinco siguen los pasos
de Glinka. En general son todos autodidactas y mantienen una importante actividad
profesional extramusical.
- Balakirev 1837-1910)
Líder del grupo, por su personalidad y firmeza de sus ideas, marcando las
directrices musicales del grupo. Fue el más formado musicalmente dentro del grupo.
Participó en la formación en 1862 de la Nueva Escuela de Música, institución rival del
Conservatorio de San Petersburgo.
Obras: Islamei (fantasía para piano), Tamara (poema sinfónico), Melodía española y
Serenata española (con sabor español), Obertura sobre temas rusos, Obertura sobre
temas checos.
- César Cui (1835-1918)
Presenta un manifiesto con los principios estéticos del grupo. Su música posee un
gran lirismo pero no la fuerza expresiva de sus compañeros.
Obras: sus óperas Prisionero en el Caúcaso o El Sarraceno.
- Alexander Borodin (1833-1887)
Es médico y profesor de química. Entra en contacto con la música a los treinta años
al conocer a Balakirev. Utiliza delicadas armonías y transparente textura orquestal.
Obras: En las estepas de Asia Central, Danzas Polovstianas y sin duda su obra
maestra (acabada por Korsakov y Glazunov) la ópera El príncipe Igor.
- Mussorgsky (1839-1881)
Oficial de la Armada, llegó a ser la figura más sobresaliente de toda la escuela rusa
del siglo XIX por su conciliación entre los cantos populares y la armonía, su
concepción orquestal creando un mundo sonoro original, sus obras llenas de
naturalismo y realidad y el uso de rasgos modales. Se le puede considerar el fundador
del realismo y naturalismo vocal ruso.
Obras: Boris Goudonov, ópera sobre texto de Puskin donde refleja algunos capítulos
de la historia del pueblo ruso, y su música descriptiva Cuadros de una exposición (para
piano, orquestada por Ravel) y Una noche en el monte pelado.
- Rimski-Korsakov (1844-1908)
Oficial de la marina, de una gran fecundidad, muy hábil en el empleo del color
orquestal y narrador lleno de fantasía. Fue un gran musicólogo que recogió y
transcribió gran cantidad de antiguos cantos populares. Muestra gran interés por lo
pintoresco y descriptivo, siguiendo esa tendencia romántica de evocar lo exótico. Gran
lirismo e inclusión de motivos populares en sus obras. Excelente orquestador y
armonizador “Tratado de orquestación”. Utiliza relatos basados en leyendas eslavas.
Obras: un total de 18 óperas. Nochebuena, El gallo de oro, Mozart y Salieri , El
cuento del zar Saltán (al que pertenece el conocido fragmento del Vuelo del moscardón) y
otras obras sinfónicas: La gran pascua rusa, Scherezade, Capricho español.
OTROS COMPOSITORES RUSOS:
Fuera del grupo debemos destacar a Igor Stravinsky, compositor perteneciente al
siglo XX. Fue alumno de Rimsky Korsakov y utilizará el folklore ruso en su primera
etapa de creación (hasta 1914) aunque sin pretensión nacionalista. La influencia de la
cultura rusa está presente en su orquestación y armonías. Así se observa en su ballet El
pájaro de Fuego.
Además, tenemos que hablar de un grupo de compositores integrantes de la llamada
Escuela Internacional, criticados por Los Cinco y considerados casi unos traidores de la
cultura rusa:
Antón Rubinstein: 1829 – 1894 director del Conservatorio en San
Petersburgo cuyo alumno, TChaikovsky mantiene siempre vivo el
interés por el folklore musical ruso.
TChaikovsky (1840 - 1893), utilizó melodías populares rusas durante toda su
vida. Sus óperas no se entienden sin la historia y la literatura del pueblo ruso.
Viajó a Europa y se formó una reputación más internacional pero el componente ruso es
una constante vital en su obra. Destacan sus 6 sinfonías, sus conciertos para piano y
orquesta, 10 óperas y sus ballets El Cascanueces, El lago de los cisnes y La bella
durmiente.
NACIONALISMO CENTRO EUROPEO
CHECOSLOVAQUIA.
Durante el siglo XIX, comprendió lo que fueron Bohemia, Eslovaquia y Moravia,
actualmente la República Checa y Eslovaquia. La riqueza de esta zona es enorme, por lo
que las obras de los músicos originarios poseen rasgos que denotan su procedencia. Aquí
se encuentran elementos folklóricos de una procedencia doble: los autóctonos y los de importación germánica.
- Smetana (1824-1884)
Utiliza primordialmente la ópera y el poema sinfónico. En sus obras se caracteriza
por el desarrollo de su propio estilo colorista sin sucumbir a Wagner o a la ópera italiana.
Dentro del poema sinfónico, en su ciclo de 6 poemas, titulado Mi patria, destaca El
Moldava. Su primera obra importante fue La novia vendida, una ópera cómica,
verdadera alegoría política que, por la situación que se vivía por aquel entonces en
Praga, alcanzó un enorme éxito. A ésta le sigue Libusa, que hace mención a la fundadora de
Praga, El beso, El secreto
- Dvòrak(1841-1904)
Discípulo y continuador de Smetana, aunque más cosmopolita y con una técnica más
perfeccionada. Cultiva un tipo de música elemental y lozana, con un ritmo vivo. Obtiene
su material rítmico y melódico de las danzas folklóricas eslavas. Danzas Eslavas (bajo la
influencia de las Danzas Húngaras de Brahms).
De entre sus obras: 9 Sinfonías (La 9 es la del Nuevo Mundo). Concierto para
violonchello y orquesta, su ópera Rusalka, Réquiem, el oratorio Santa Luzmila… Tanto
en su sinfonía nº9 como en sus Cuartetos espirituales, son evidentes los espirituales
negros durante sus estancia en Estados Unidos. Parece ser que se sintió fascinado por la
música negra del jazz. También aparecen otros temas checos.
- Janácek (1854-1928)
Verdadero sucesor de Smetana. Fue un recopilador de temas folklóricos, determinó
que su estilo estuviera estrechamente vinculado a los ritmos y melodías de Moravia,
Estudió de cerca las inflexiones del lenguaje hablado de los campesinos moravos, su risa,
llanto… Incluye en su lenguaje armónico la escala de tonos enteros, los modos e incluso
la politonalidad (las dos primeras cultivadas también por los impresionistas).
De entre sus óperas destacan: La zorrita astuta y Jenufa.Su poema sinfónico Taras
Bulba (un héroe polaco), su Misa Glagolítica
HUNGRÍA
La música que en el siglo XIX se aceptaba como húngara, era la interpretada por
gitanos y músicos ambulantes, que se caracterizaba por el constante rubato y el ritmo
sincopado, así como por el uso de una tonalidad mixta mayor-menor. Esta música atrajo
a muchos músicos como Brahms o Liszt.
En el siglo XX:
- Bela Bartok (1881-1945)
Bartok posee una importancia que desborda los límites de toda clasificación.
Niño prodigio, con 10 años ya compone. Con 18 decide continuar sus estudios en
Budapest, su tierra natal, en vez de ir a Viena. Ya mostró entonces su apego por la
identidad nacional.
Bartok posee una importancia que desborda los límites de toda clasificación. Fue uno
de los más grandes compositores de nuestro siglo; pianista, virtuoso y pedagogo; además
fue un gran estudioso del folklore húngaro.
Dentro de su producción podemos hablar de dos épocas, siendo la primera la de
carácter nacionalista. A partir de 1904 salió al campo a recoger melodías de pastores en el
entorno rural intentando mantener vivo el folklore húngaro. El invento del fonógrafo en
1877 ayudó en la labor de conservar estas piezas y a que su estudio fuera mas detallado y
minucioso. Junto con Kodaly estableció las bases de la etnomusicología. Este interés se ve
en su música.
Gran maestro en el colorido orquesta, los ritmos irregulares y los acentos fuera de
tiempo son otras de sus características.
Rasgos estilísticos:
- Inclusión del auténtico folklore húngaro: es junto a Kodaly el fundador de la
etnomusicología, viajando y grabando las canciones populares.
- Ritmos irregulares y acentos fuera de tiempo.
- Gran control formal.
- Intenso impulso expresionista.
- Sus textura pueden ser homófonas o estar constituidas por líneas
contrapuntísticas.
- Las melodías están basadas en escalas modales, pentatónicas, escala de tonos, así
como las diatónicas y cromáticas normales. Sigue siendo música tonal.
- Aparecen todo tipo de acordes, la 4ª lidia aumentada es propia de Bartok.
- Es un maestro en el tratamiento del colorido orquestal.
Entre sus obras: Barba Azul (ópera), Concierto para violín nº 2, El príncipe de madera
(ballet), El mandarín maravilloso (ballet), Sonata para dos pianos y percusión, Música
para cuerda, percusión y celesta.
- Kodály (1882-1967)
Colaborador de Bartók en sus estudios etnomusicológicos. Kodaly es autor de una
tesis sobre la estructura estrófica de las canciones populares húngaras. Su espíritu
creador va unido a las esencias populares de la vida musical húngara.
También fue un gran pedagogo: implanta un nuevo sistema de aprendizaje musical
en base al ritmo y al movimiento que lleva su nombre método Kodály.
Obras: Danzas de Galanta, Danzas de Marosszék, Salmo húngaro (oratorio), Hary
Janos (ópera buffa)
NORUEGA
-
Grieg (1843-1907)
Su música es de carácter delicado, Grieg se encuentra más cómodo componiendo
para piano que para orquesta. Su nacionalismo se manifiesta sobre todo en las
canciones sobre temas noruegos: los Slaatter que son piezas campesinas arregladas
para piano.
Obras: Piezas líricas para piano, Slaatter, Peer Gynt (suite para orquesta, música
incidental).
FINLANDIA
La principal característica de la música finlandesa será su tristeza y melancolía. Hasta los
últimos años del siglo XIX en Finlandia se traslada a la música tres motivos nacionales: el
sentimiento nacional, el Kalevala y los grandes bosques y lagos. El Kalevala es un libro que
constituye una compilación de todas las leyendas populares de Finlandia, siendo de carácter
mágico y las que cantan a la naturaleza, las más destacables.
- Jean Sibelius (1865-1957)
Aunque su nacionalismo es limitado, ya que no basa su obra en canciones populares ni
influye mucho en él el folklore, sí lo hace la literatura finlandesa, sobre todo el “Kalevala”, de
donde sacó los temas para sus obras, y por su profundo amor a la naturaleza y a los paisajes
nórdicos, aspecto que traslada a sus poemas.
Es un compositor eminentemente de sinfonías y poemas sinfónicos, sus otras
composiciones tienen un valor secundario, con un lenguaje clásico, con tonalidades y armonías
convencionales. Su textura orquestal está dominada por la sobriedad y la claridad de líneas.
Obras:7 Sinfonías, Finlandia (poema sinfónico), Concierto para violín, Karelia (suite)
ESPAÑA
El conocimiento, estudio y aplicación de la música popular y tradicional española no
se da en España hasta mucho tiempo después de que los movimientos nacionalistas
hubieran cuajado en otros países. Se debe fundamentalmente a estos compositores:
- Barbieri (1823-1894)
Arduo defensor de la zarzuela, de los distintos tipos que se dieron en el siglo XIX,
pensaba que la Zarzuela Grande podía competir con la ópera italiana.
Sus obras son de carácter nacional, impregnado de casticismo, y que proviene del
estudio musicológico y del conocimiento de las raíces de la música española. Sus obras
más famosas (zarzuelas): Pan y toros, El barberillo de lavapiés.
- Felipe Pedrell (1841-1922)
Trabajó infatigablemente, no sólo como compositor, sino como escritor, historiador,
maestro y estudioso, con el fin de elevar el nivel de la música española, basándose, por
un lado en la canción popular y, por otro, en la tradición artística. Sus labores como
musicólogo son evidentes en su Cancionero popular español, recopilación de canciones
de diferentes regiones, armonizados.
Es el verdadero impulsor del nacionalismo español. Desdeña la zarzuela y compone
óperas nacionales en el idioma y el contenido dramático: Los Pirineos y La Celestina.
Escribió un manifiesto, Por nuestra música, en el que clama el renacer de la música española a
partir del estudio de nuestro folclore.
Elementos que determinan el Nacionalismo Español:
- Conciencia de la riqueza de nuestra música. Barbieri y Pedrell no sólo componen
obras, sino que publican también parte de nuestro folclore musical y de las
partituras de nuestros grandes autores del siglo XVI.
- Influencia de la música andaluza y de otras regiones.
- Explotación de las peculiaridades armónicas, rítmicas, escalas específicas, como la
denominada andaluza e incluso instrumentos típicos españoles.
- Los nuevos músicos tratan de solucionar dos problemas: ayudar a la creación de
un nuevo espíritu nacional y poder presentarse en Europa con voz propia. Pablo
Sarasate consiguió trascendencia internacional no sólo como violinista sino
también como compositor con obras como, Danzas Españolas, Zapateado, Aires
gitanos.
En el tránsito entre el siglo XIX y el XX se encuentran dos compositores: Albéniz y
Granados. Ambos nacen y componen en el Siglo XIX, pero hacen lo mejor de su obra en
el XX. Ambos catalanes, pianistas y con un nacionalismo mas cosmopolita, que se mezcla
con otras tendencias como la música de salón o el Impresionismo, y consigue ir mas allá.
Isaac Albéniz (1860-1909)
Su piano recoge toda una serie de tendencias, desde el romanticismo más clásico al
impresionismo debussyano. (Marcha a París en 1893 y, tras descubrir a Debussy su
música se transforma). Hay que destacar su obra más lograda Iberia,(suite para piano),
sucesión de cuadros que sorprenden por la riqueza de sus ritmos, la gracia exótica de sus
melodías, realzadas con armonías llenas de sabor, y el brillante virtuosismo de la
escritura pianística eleva el folclore a niveles muy creativos. También Pepita Jiménez
(ópera), Catalonia (poema sinfónico). Suite española y Cantos de España (para piano)
Enrique Granados (1867-1916) es un gran pianista, escribiendo para este instrumento su obra
más lograda: Goyescas. Granados mezcla con gran acierto los rasgos típicamente
españoles con un clima romántico muy poético que recuerda a Chopin, Schumann y
Grieg. Además de su obra estrictamente pianística, destaca su colección de Tonadillas,
piezas para canto y piano en las que se puede admirar la gran creatividad, espontaneidad
y originalidad de este compositor.
Son destacables también sus Danzas españolas y su ópera María del Carmen.
Manuel de Falla (1847-1946) es la figura cumbre de la denominada Generación del 98, compositores y
escritores nacidos en torno al año 1870, como Unamuno, Antonio Machado, Pío Baroja o
Menéndez Pidal, y también de la música andaluza de todos los tiempos. Es la personalidad
con la que el nacionalismo alcanza su culmen. Con él, nuestra música recupera un lugar de
privilegio en el contexto mundial. Pasa por todas las etapas del Nacionalismo y evoluciona a
través del Impresionismo desembocando, a partir de El retablo de Maese Pedro, en el
Neoclasicismo.
Nace en Cádiz en 1876, por lo que en 1898 tiene 22 años, lo que le hace que sea capaz de
asimilar y comprender toda la problemática que plantea la Generación del 98, sólo así
entenderemos lo que significa la obra de Falla. Hay toda una serie de cualidades suyas,
como el espíritu individualista, la búsqueda a través del folclore del paisaje español, su
intento de europeización, el vivir íntimamente los problemas políticos y sociales que le
unen a esta Generación.
Su obra se puede dividir en tres etapas:
a) Su primer período en España, que se extiende hasta 1907, es todavía un compositor en
busca de su estilo. Sus obras están influidas por un nacionalismo de carácter mas castizo
hasta su encuentro con Pedrell, su maestro. Su obra más notable de esta época La vida
breve. También Cuatro piezas españolas y Canciones españolas.
b) Su segundo período, se extiende hasta 1922 Gana un concurso (con su obra La vida
breve) recibiendo una beca por parte de la Academia de Bellas Artes de Madrid que le
permitió estudiar en París. Tras volver de París presenta una gran
actividad creadora: Siete canciones españolas, El amor brujo (ballet, donde junto a la
exuberancia del cante flamenco, nos descubre la apasionada y trágica profundidad del
cante jondo) El sombrero de tres picos (ballet), Noche en los jardines de España (poema
sinfónico para piano y orquesta).
c) Su tercer período, desde París llegan influencias del neoclasicismo;
Falla conserva sólo ciertos rasgos del nuevo estilo, la transparencia de la escritura y la
desnudez. La primera obra que anuncia su nueva etapa es El retablo de Maese Pedro sus
líneas se vuelven concisas y pura y de gran austeridad, El concierto para clavecín y cinco
instrumentos.
Al retirarse a Argentina durante la Guerra Civil, compuso durante siete años una gran
ópera-oratorio (terminada por Ernesto Halffter): La Atlántida
Joaquín Turina (1882-1949)
Estilísticamente es deudor de la “Schola Cantorum” parisiense y está muy influido por la
música francesa (Paul Dukas y Claude Debussy). Aún así, su obra aparece teñida de un
color nacionalista muy personal, como se observa en piezas como Sinfonía sevillana,
Danzas fantásticas, La procesión del Rocío.
Los rasgos nacionalistas estarán presentes durante toda la primera mitad del siglo XX en las
obras de muchos compositores que si bien no pueden ser tildados totalmente de
nacionalistas, se vieron influenciados por el folklore español de diferentes zonas, como:
Óscar Esplá su último gran trabajo consistió en completar las partes musicales del
Misterio de Elche (Drama litúrgico medieval).
Federico Mompou, poeta al piano y muy
influido por Debussy Cantos mágicos; Impresiones íntimas.
Ernesto y Rodofo Halffter,
Jesús
Guridi con Canciones vascas
Roberto Gerhard, discípulo de Schöenberg, introduce en
Cataluña el dodecafonismo.
Joaquín Rodrigo, en el que la influencia del
nacionalismo es aún más clara. Su famoso Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, le
convirtió en el músico más famoso internacionalmente de su generación. Su escritura es muy
hábil, basándose en temas antiguos y folclóricos que trata con gran lirismo.
NACIONALISMO EN E.E.U.U
Georges Gershwin (1898-1937)
La mayor importancia de este compositor será su asimilación del jazz y la
influencia que ejerce en su música. Aunque mucha de la música americana de los años 20 –
30 refleja la moda de la música de negros, será Gershwin quien lo hace de modo mejor y
mas brillante. Fue capaz de reelaborar el lenguaje del jazz en obras sinfónicas que tuvieron
una maravillosa acogida.
Rapsodia in blue, Un americano en París, Porgy and Bess (ópera, su obra más importante).
Charles Ives (1874-1954)
El compositor nacionalista de más proyección universal. Su música está llena de
premoniciones: Atonalismo, microtonalismo, la música espacial, el collage y un largo
etcétera de descubrimientos técnicos que irán marchando con nuestro siglo. Sonata
Concord, Tres lugares de Nueva Inglaterra .
Aaron Copland (1900-1990)
En su música se integran elementos nacionales norteamericanos combinándolos con unos
profundos conocimientos técnicos, elementos del jazz, uso de la disonancia y unas grandes
dotes imaginativas. Salón México, Rodeo, Primavera Apalache, Billy el Niño.
NACIONALISMO EN AMÉRICA LATINA
Al igual que en Norteamérica, el arte estaba dominado casi completamente por modelos
europeos. El desarrollo de un estilo musical propio en Latinoamérica surge con la llegada del
Nacionalismo a finales del siglo XIX.
BRASIL
Héitor Villa-Lobos(1887-1955)
Es el principal compositor de América Latina.
Estudió violonchelo en el conservatorio pero su educación como compositor la adquiere
en el contexto de la música popular brasileña, tocando la guitarra en grupos por las calles y
cafés. Algunas de sus mejores páginas las constituyen los “Choros”, que son su contribución
más original a la música del siglo XX. En ellos, hace una síntesis de diferentes tipos de música
brasileña, indígena y popular, que reflejan en sus elementos fundamentales el ritmo y las
características del pueblo.
Villa-Lobos estaba muy interesado en lo que llamaba el “sincretismo”, una fusión de
influencias nativas y externas. En sus Bachianas Brasileíras, escritas en homenaje a J.S.Bach,
consigue una especie de neobarroquismo folklórico. Destacar su bello Concierto para
guitarra y orquesta.
Gran facilidad musical, su obra tiene gran frescura. Escribió mas de 2000 obras, algunas aún
sin publicar,
ARGENTINA
Alberto Ginastera(1916-1983)
Es el compositor argentino más famoso de su generación. Tuvo un primer periodo
nacionalista con influencias de Stravinsky y Bartok. Don Rodrigo (ópera), su obra más
original Cantata para América Mágica para soprano e instrumentos de percusión.
MÉXICO
Silvestre Revueltas (1899-1940)
Tiene una música de raíz popular un poco dentro del nacionalismo. Su música posee una
viveza rítmica y un atractivo irresistible. Sensemayá (poema sinfónico).
Carlos Chávez (1899-1978)
El estilo de Chávez es más austero y antirromántico que el de Revueltas y, más popular en
cuanto materiales concretos. Se puede decir que ambos compositores son complementarios.
Destaca su Sinfonía India
INGLATERRA
El Nacionalismo llegó relativamente tarde a la música inglesa. Podemos hablar de los
siguientes músicos:
Edward Elgar (1875-1934)
Este compositor puede ser considerado el principal artífice del renacimiento musical
británico, especialmente en las obras que escribió en su madurez. Entonces produce sus obras
maestras, Variaciones Enigma para orquesta, su marcha Pompa y circunstancia y sus dos
Sinfonías. Muy influido por Wagner y Brahms, el estilo de Elgar es esencialmente el de un
romántico rezagado y sus mejores obras tienen lo más digno de este movimiento.
Ralfp Vaughan Williams(1872-1958)
Es, después de Elgar, el compositor que más contribuyó al despertar musical de su país.
Aunque estudió con Bruch en Berlín y con Ravel en París, su obra no aparece marcada ni por
el postrromanticismo ni por el impresionismo. Es esencialmente de inspiración folklórica y se
apoya en la gran polifonía inglesa del siglo XVI. Su estilo está lejos de las complejidades de
su tiempo. A pesar de su preocupación nacionalista, no se separó totalmente de la tradición
europea y sus sinfonías revelan conexiones con precedentes románticos. Utilización de la voz
en tres de sus nueve sinfonías y uso también de títulos descriptivos en todas. Su lenguaje
armónico al lado de las vanguardias del siglo XX fue sin embargo conservador.
Destacan: Fantasía sobre un tema de Tallis, sus seis Sinfonías con una utilización original
de los temas folklóricos en la tercera. Gustav Holst: 1874 - 1934
Compañero de estudios de Vaugham Williams en Londres. Aunque Holst también tiene
interés por el folklore inglés, éste influye en su obra mucho menos. Su lenguaje musical será
mucho mas cosmopolita.
Su obra clave fue Los Planetas, suite orquestal en siete movimientos. Influencia de la
astrología que estudió. Medidas y ritmos irregulares en esta obra. Holst se vio mas
influenciado que Williams por las novedades y vanguardias del momento.